RAVENSBURG.- ¿Qué sucede cuando los ideales del expresionismo alemán se examinan desde la perspectiva del presente? En Kunstmuseum Ravensburg, una exposición inaugurada el 8 de agosto pone frente a frente obras de la Colección Selinka del museo con trabajos de artistas contemporáneos para explorar cómo han cambiado —y hasta qué punto algunas siguen sorprendentemente vigentes— las preguntas en torno al cuerpo, el género, la naturaleza, el consumo, la guerra y la identidad cultural.

La muestra, abierta hasta el 15 de noviembre de 2026, lleva por título Questions of Our Time: The Collection Meets the Present (Zeitfragen. Sammlung trifft Gegenwart) y vincula obras históricas con piezas de artistas contemporáneos a través de seis núcleos temáticos. La exposición incluye trabajos de Kader Attia, Fiona Banner, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Małgorzata Mirga-Tas, Otto Mueller, Edvard Munch, Daniel Richter, Ulrike Rosenbach, Karl Schmidt-Rottluff y Agnès Varda. La curaduría está a cargo de Kristina Groß.

El punto de partida es la Colección Selinka del museo, centrada en el arte del siglo XX y el expresionismo alemán. En lugar de presentar el expresionismo como un capítulo histórico cerrado, la exposición se pregunta qué se hace visible cuando sus aspiraciones, presupuestos y contradicciones se sitúan junto a prácticas artísticas de finales del siglo XX y del siglo XXI.

Una de las secciones aborda el cuerpo a través de las obras de Fiona Banner, Ernst Ludwig Kirchner y Karl Schmidt-Rottluff. Los primeros expresionistas desafiaron las convenciones académicas al dibujar de manera rápida e informal a amigos y amantes, buscando una inmediatez que asociaban con la libertad y la autenticidad. Sin embargo, el museo también vuelve la mirada crítica hacia esa historia y se pregunta quiénes eran los modelos, qué poder tenían dentro de esas relaciones y dónde se encuentra el límite entre la observación artística y el voyeurismo.

Mirror (2007), de Banner, se aproxima a ese mismo territorio a través del lenguaje. La actriz Samantha Morton posó desnuda en el estudio de Banner, pero en lugar de dibujarla, la artista describió su cuerpo con palabras. En la performance documentada, Morton lee públicamente esa descripción por primera vez, convirtiendo la vulnerabilidad que implica ser observada —y posteriormente representada— en parte de la propia obra.

Las cuestiones relacionadas con la identidad femenina se desarrollan aún más mediante un diálogo entre Edvard Munch y Ulrike Rosenbach. Madonna – Loving Woman, de Munch, reúne dos imágenes profundamente arraigadas de la feminidad: la Madonna sagrada y la femme fatale sexualmente independiente. Rosenbach confronta arquetipos igualmente heredados en su obra en video de 1975 Don’t Believe I’m an Amazon. En ella fusiona su propio rostro con la Madonna de Madonna of the Rose Bower, de Stefan Lochner, antes de aparecer como una amazona y disparar flechas contra la imagen. El gesto se convierte en un ataque directo contra la persistencia de estereotipos femeninos restrictivos.

En otra sección, Agnès Varda y Karl Schmidt-Rottluff quedan vinculados por el sencillo acto de recoger aquello que permanece en un campo. Woman in the Field, de Schmidt-Rottluff, realizada en 1919, presenta a una figura aparentemente en armonía con el paisaje. El documental de Varda de 2000, Les glaneurs et la glaneuse, transforma el espigueo en una cuestión social y política al seguir a personas que recuperan aquello que la sociedad de consumo ha desechado.

Partiendo de la célebre pintura The Gleaners, de Jean-François Millet, y recorriendo granjas, mercados, calles y desguaces, Varda reflexiona sobre el valor de lo que queda atrás y sobre la posibilidad de entender el espigueo como una forma de resistencia frente a la cultura del descarte.

La exposición presentará una única proyección completa de la película de Varda, de 82 minutos, el 22 de octubre a las 18:00 horas.

La imaginada armonía entre cuerpo y naturaleza encuentra un contrapunto contemporáneo más oscuro en el diálogo entre Otto Mueller y Daniel Richter. Las obras de Mueller evocan el deseo de los expresionistas de escapar de la sociedad industrial mediante cuerpos situados en paisajes aparentemente intactos. Las escenas nocturnas de Richter, en cambio, ubican a las figuras humanas en entornos donde la naturaleza y la infraestructura urbana se han vuelto casi imposibles de separar.

El agua puede sugerir ocio o peligro; las figuras pueden estar nadando, huyendo o incluso sin vida. La relación idílica entre la humanidad y la naturaleza se ha vuelto inestable.

Quizá el encuentro más directo de la exposición con las heridas de la historia se produzca a través de Kader Attia y Erich Heckel. Las cabezas de madera de Attia pertenecientes a Culture, Another Nature Repaired se basan en fotografías de soldados desfigurados durante la Primera Guerra Mundial. Su prolongada investigación sobre la idea de “reparación” contrapone una tendencia occidental a ocultar las huellas del daño con tradiciones en las que la herida puede permanecer visible como parte de la historia de un objeto —o de una persona—.

Heckel vivió la guerra personalmente como auxiliar médico voluntario en Flandes. Su xilografía de 1919 Portrait of a Man presenta una figura introspectiva, de rostro hundido, despojada de toda retórica heroica. Colocadas una junto a la otra, estas obras creadas con un siglo de diferencia examinan no solo las heridas físicas, sino también la cuestión de si sanar exige borrar sus rastros.

La sección final pone a Małgorzata Mirga-Tas y Otto Mueller en una conversación deliberadamente compleja sobre las representaciones de los pueblos romaní y sinti. Mirga-Tas, quien en 2022 se convirtió en la primera artista romaní en representar un pabellón nacional en la Bienal de Venecia, crea vibrantes obras textiles desde el interior de su propia comunidad.

Sus collages se nutren de la historia romaní, la vida familiar, las mujeres y las experiencias compartidas, e incorporan con frecuencia ropa, sábanas y tejidos pertenecientes a miembros de esa comunidad.

Su obra Romani Kali Daj (2024), cuyo título puede traducirse como “Madonna romaní”, representa a una madre y su hijo con dignidad y monumentalidad, al tiempo que revisita conscientemente imágenes históricas creadas desde fuera de la cultura romaní.

Mueller, por el contrario, representó repetidamente a personas sinti y romaníes como parte de una visión idealizada de libertad, naturaleza y vida al margen de la sociedad convencional. La exposición no descarta esas obras, pero somete su romanticismo a una mirada crítica, destacando la diferencia entre la proyección de un artista y las realidades vividas por las personas representadas.

Esa voluntad de cuestionar la colección, en lugar de limitarse a celebrarla, es fundamental en Questions of Our Time. La exposición trata la historia del arte como algo que todavía puede generar fricción. La búsqueda expresionista de libertad, autenticidad y cercanía con la naturaleza sigue resultando poderosa, pero el significado de esos conceptos cambia cuando se observa junto a debates contemporáneos sobre género, colonialismo, representación, consumismo, ansiedad medioambiental y memoria de la guerra.

Questions of Our Time: The Collection Meets the Present podrá visitarse en Kunstmuseum Ravensburg hasta el 15 de noviembre de 2026.