PAR�S.- La Galerie Peter Kilchmann presenta la primera exposición individual de Didier William en Francia y la segunda que realiza con la galería. Titulada Lot Bò D'lo A, una expresión en criollo haitiano que significa literalmente "al otro lado del agua", la muestra reúne trece pinturas realizadas este año. El conjunto se complementa con una versión de su emblemática instalación Gesture to Home (2024), concebida originalmente para la Trienal Prospect.6 de Nueva Orleans en 2024. La instalación combina elementos pictóricos y escultóricos en un entorno espacial complejo e inmersivo.

Nacido en 1983, Didier William emigró con su familia a Miami cuando tenía seis años. Allí transcurrieron su infancia, adolescencia y formación escolar, en un entorno cultural que dejaría una huella duradera en su trayectoria personal y artística. En 2009 obtuvo una maestría en Bellas Artes (MFA), con especialización en pintura y grabado, en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale, en New Haven, Connecticut. Actualmente vive y trabaja en Filadelfia junto a su familia. Es profesor asociado de grabado expandido en la Mason Gross School of the Arts de la Universidad Rutgers.

La obra de William se distingue por la maestría con la que combina diferentes técnicas y materiales. Sus trabajos se caracterizan por un rico vocabulario formal que frecuentemente reúne acrílico, tinta y tallado sobre paneles de madera. De la superposición de estos medios surgen espacios visuales densos que oscilan entre la figuración, la memoria y una narrativa abierta a múltiples interpretaciones.

El agua constituye el punto de partida de esta nueva serie de pinturas. Evoca una distancia tanto física como metafísica: la que separa a quienes emigraron de quienes permanecieron, los lugares abandonados de aquellos que ahora se habitan, y los vivos de quienes los precedieron. Sin embargo, para William, el agua nunca es simplemente una frontera. También es un umbral, un pasaje, un espacio de transformación y metamorfosis capaz de conectar distintos territorios y estados de existencia. Esta flexibilidad atraviesa toda la exposición, donde los paisajes se convierten en escenarios de una memoria en movimiento y nunca en simples telones de fondo. En ocasiones, la tierra se representa como un cuerpo: su carne, piel, entrañas o materia cerebral emergen en las composiciones, como si el artista buscara extraer su memoria e investigar su historia. Varias pinturas se organizan así en dos niveles: extensos paisajes se despliegan en la parte superior, mientras que otro mundo aparece debajo o a través de su superficie, con figuras sumergidas, raíces expuestas y capas de tierra.

Las figuras humanas que habitan las pinturas de William evocan a los titanes de la mitología griega, inmersos en gestos de resistencia y lucha, pero también de abrazo, apoyo y trabajo colectivo. El cuerpo se convierte así en un espacio de interdependencia: carga, se aferra, protege y, a su vez, es sostenido. En Safe Passage (187,96 × 132,08 cm), dos figuras permanecen estrechamente abrazadas en medio de un paisaje pantanoso. Ante el desplazamiento repentino y la búsqueda de seguridad, el abrazo surge como un gesto de refugio. Una luz que emana de la parte inferior de la composición ilumina este espacio de protección y ternura. El pantano, que William asocia con una sensación de seguridad, remite a los paisajes vinculados con sus orígenes y con la memoria de sus antepasados. De este modo, el paisaje ofrece una sensación de arraigo y continuidad.

En Y'ap jwenn nou ansanm (198,12 × 137,16 cm), dos figuras se abrazan con fuerza y su cercanía expresa ternura, intimidad y la búsqueda de seguridad en una situación incierta. Frente a la inmensidad del agua, su vínculo físico se convierte en el centro emocional de la obra. El título, que significa "Nos encontrarán juntos", refuerza esta idea de solidaridad y remite al contexto en el que el artista concibió la exposición. Ante el clima político estadounidense y las preocupaciones provocadas por la hostilidad hacia las minorías, William plantea interrogantes sobre el desplazamiento, la seguridad y la posibilidad de tener que abandonar el hogar de un día para otro.

En Moun D'lo (162,56 × 127 cm), esta relación entre el agua, el cuerpo y los mundos visible e invisible adquiere una dimensión más espiritual. Una figura sumergida hasta la cintura permanece en medio del agua, mientras múltiples brazos y piernas descienden hacia ella desde arriba. Estas extremidades separadas de sus cuerpos sugieren la presencia de seres pertenecientes a otro ámbito y transforman la superficie del agua en un umbral entre el mundo físico y el de los antepasados. El título hace referencia a los Moun D'lo, espíritus del agua del vudú haitiano, y presenta el agua como un espacio de transformación, conexión y tránsito.

Varias pinturas, entre ellas La Bassin (198,12 × 137,16 cm), Mirage (127 × 101,6 cm) y Witness: Racin Ayiti (132,08 × 187,96 cm), prolongan la exploración de William en torno a los cipreses de los pantanos, iniciada durante un viaje a Luisiana en 2023. Estos árboles, que echan raíces en humedales, resisten la erosión y las transformaciones del paisaje y pueden vivir cientos de años, llamaron la atención del artista por su capacidad para encarnar una noción del tiempo que supera ampliamente la duración de una vida humana. William dio forma por primera vez a esta investigación mediante su monumental instalación Gesture to Home (2024), en la que las siluetas de los cipreses se convierten en el punto de partida para figuras escultóricas de escala humana. En este conjunto de obras, William no se limita a representar un elemento característico del paisaje de Luisiana: le interesa la capacidad de estos árboles para dar testimonio de una historia más extensa que la de los seres humanos y convertirse en guardianes silenciosos de un territorio y de sus transformaciones.

Por el contrario, las obras Lorimer Peak y Melrose (198,12 × 137,16 cm) hacen referencia a los paisajes que rodean actualmente al artista, espacios en los que ha encontrado seguridad y refugio. En Mwen Reve Lakay ("Sueño con mi hogar", 127 × 101,6 cm), la cuestión del hogar vuelve a aparecer, pero esta vez de manera ficticia. William representa la playa de Gelée, en Haití, un lugar que nunca ha visitado. El paisaje se reconstruye a partir de imágenes, relatos y proyecciones mentales: una tierra natal conocida tanto a través de la imaginación como de la experiencia. Una luz difusa se extiende por la parte inferior de la pintura, otorgando al paisaje una cualidad casi de espejismo y reforzando la idea de un lugar soñado, prácticamente utópico. El hogar aparece así menos como un territorio fijo que como una construcción de la memoria, el deseo y la representación.

La exposición también brinda al artista la oportunidad de otorgar un nuevo lugar al retrato dentro de su práctica. En la pintura Granpè (76,2 × 55,88 cm), William representa a su padre y continúa su reflexión sobre la pertenencia y la transmisión a través del suelo y la tierra. En este retrato íntimo y psicológico, el artista explora las complejas formas que puede adoptar la filiación. Aunque la relación entre padre e hijo está marcada por cierta distancia, su vínculo continúa a través de la siguiente generación: al convertirse en abuelo de los hijos del artista, el padre sigue siendo una figura presente en la historia familiar. El retrato parece así hacer surgir una forma de cercanía emocional que no necesariamente depende de una relación directa, sino que también se construye mediante los lazos que unen a las generaciones.

Un segundo retrato, Respire (76,2 × 55,88 cm), refleja una nueva investigación pictórica. William desdibuja las referencias espaciales mediante la incorporación de una espesa niebla, un motivo presente en varias de sus obras recientes. El suelo y el cielo parecen chocar hasta fusionarse, creando un espacio en el que la figura parece literalmente privada de aire. Atrapada en esta unión entre tierra y cielo, la figura permanece suspendida en un espacio liminal, entre dos mundos. Al mismo tiempo, William deja de lado en ciertas zonas el tallado de la madera que hasta ahora había caracterizado su práctica, para favorecer una aplicación del acrílico más fluida, atmosférica y etérea. Sin embargo, esta evolución no implica renunciar a la materialidad de la superficie, que el artista continúa incidiendo y esculpiendo. Los motivos de ojos, que se han convertido en un rasgo distintivo de su pintura, establecen un intercambio entre quien mira y quien es observado, convirtiendo al espectador en testigo: testigo de la historia, de las transformaciones del paisaje, pero también de su propia posición frente a la obra. Mirar se convierte así en una relación recíproca, en lugar de una observación unilateral.

Con Lot Bò Dlo A, William presenta uno de los conjuntos de obras más logrados de su trayectoria hasta la fecha. Profundamente íntima y, al mismo tiempo, de amplio alcance histórico, la exposición propone una reflexión sobre los múltiples significados del hogar y sobre la capacidad perdurable del paisaje para transmitir memorias e historias a través de las generaciones. Estas pinturas, de gran profundidad emocional, nos recuerdan que el agua no solo separa mundos: también los conecta.

Didier William ha presentado varias exposiciones individuales que han recibido reconocimiento de la crítica, entre ellas las realizadas en el MoCA – Museum of Contemporary Art North Miami, acompañada de un catálogo; el Moss Arts Center de Blacksburg; y el Figge Art Museum de Davenport, todas en Estados Unidos. Su obra también ha formado parte de importantes exposiciones colectivas, entre ellas las organizadas por el ICA – Institute of Contemporary Art de Boston, la Trienal Prospect.6 de Nueva Orleans, el Rudolph Tegners Museum de Dinamarca y el MCA – Museum of Contemporary Art Chicago. A través de estas presentaciones en instituciones internacionales, el artista se ha consolidado como una de las voces más singulares de su generación, desarrollando una práctica que reúne pintura, escultura y experimentación con materiales.