PARÍS.- El ciclo de la vida late en el corazón del arte de Lee Bae. Ampliamente reconocido por su dominio del carbón vegetal, este artista de profunda sensibilidad filosófica lo utiliza para explorar temas universales como la destrucción y la renovación. El carbón vegetal, obtenido de la madera quemada por el fuego, simboliza tanto la fuerza destructiva de la naturaleza como su capacidad de regeneración y de volver a encenderse. Para Lee Bae, el carbón encarna el ciclo de la vida, la purificación, el paso del tiempo y la energía. Es la naturaleza transformada por el fuego.
Nacido en Corea del Sur en 1956, Lee Bae creció en medio del trauma colectivo de su país, marcado por la ocupación japonesa durante la Segunda Guerra Mundial, las dificultades de la posguerra de Corea y las crisis económicas de las décadas de 1960 y 1970. Estudió arte en la Universidad Hongik de Seúl bajo la tutela de Park Seo-Bo, considerado el padre del Dansaekhwa, un movimiento monocromático que rechazaba tanto las tradiciones artísticas occidentales como las japonesas en favor de métodos introspectivos, laboriosos y altamente repetitivos, basados en una estrecha interacción física con las materias primas.
Tras participar en exposiciones individuales y colectivas en Corea poco después de obtener su maestría en Bellas Artes en 1986, Lee Bae se trasladó a París en 1990, animado por Lee Ufan, otro maestro del Dansaekhwa y cofundador del movimiento japonés Mono-ha. En lugar de producir esculturas o pinturas tradicionales, los artistas de Mono-ha disponían materiales naturales e industriales básicos, como piedra, tierra, madera, placas de hierro, vidrio y cuerdas, en composiciones sencillas y sin adornos. Cuando Lee Bae llegó a París, trabajó durante varios años como asistente en el estudio de Lee Ufan.
De Park Seo-Bo, Lee Bae aprendió la importancia del perfeccionamiento personal a través del arte y de la unidad entre cuerpo y mente. Lee Ufan, por su parte, le enseñó sobre la relación entre el espacio y la materia, animándolo a vaciarse de sí mismo y descubrir una nueva conexión entre los materiales y su identidad como artista. En busca de una identidad artística significativa fuera de su país natal, Lee Bae comenzó a utilizar el carbón vegetal como materia prima, en parte debido a las mismas limitaciones económicas que habían llevado a los artistas del Dansaekhwa a emplear materiales sencillos y, en parte, por su vínculo espiritual con su lugar de origen.
Aunque nunca se ha considerado un artista del Dansaekhwa, ha establecido un puente conceptual entre este movimiento y el Mono-ha al dedicar su práctica a un estudio riguroso del color negro y la pureza de la forma, desarrollando un lenguaje artístico claramente personal. Su enfoque consiste en un proceso introspectivo y laborioso en el que el cuerpo del artista interactúa estrechamente con las materias primas. Su práctica refleja un movimiento espiritual y ritual, basado en la repetición de tareas físicas precisas con árboles carbonizados. Esta repetición, al igual que sus movimientos corporales al crear expresivas obras caligráficas, se convierte en una conversación meditativa entre el cuerpo, el tiempo y la materia.
Tras desarrollar una profunda filosofía espiritual y artística centrada en el carbón vegetal, Lee Bae ha utilizado magistralmente este material como principal medio de expresión en dibujos, pinturas, esculturas e instalaciones inmersivas durante más de treinta años. Para él, el carbón es mucho más que un material básico. Su importancia aumenta porque lo produce personalmente al quemar madera de pino, roble y álamo, dedicando su tiempo y energía a crear algo nuevo. Reflexiona sobre la obra mientras fabrica el carbón. Antes de comenzar a crear, siempre se toma un tiempo para ordenar sus pensamientos. Para él, esperar no significa perder el tiempo; es una parte necesaria del proceso de reflexión que precede a sus creaciones.
Sus ensamblajes Issu de Feu (Surgido del fuego), semejantes a mosaicos, se realizan cortando trozos de madera carbonizada y fragmentos de carbón en pequeñas piezas que después organiza e incrusta meticulosamente sobre lienzos. Posteriormente, lija las superficies y las recubre con resina para crear negros monocromáticos que absorben y reflejan la luz al mismo tiempo.
Sus extraordinarias Brushstroke Paintings (Pinturas de pinceladas) utilizan una mezcla de tinta de carbón vegetal y óleo para crear gestos gruesos y espontáneos sobre papel o lienzo, transmitiendo de manera reflexiva el movimiento corporal, la gravedad física y el paso del tiempo mediante trazos abstractos y meditativos. En la escultura, transforma troncos de árboles carbonizados en impactantes tótems físicos, al tiempo que traslada con habilidad sus pinceladas de tinta de carbón a grandes esculturas tridimensionales de bronce.
Para su exposición paralela a la Bienal de Venecia de 2024, Lee Bae creó una instalación inmersiva que integraba muchos de sus métodos de trabajo para recrear metafóricamente una ceremonia coreana de quema de una casa lunar, un ritual celebrado tradicionalmente durante la primera luna llena como una festividad comunitaria vinculada a la naturaleza cíclica del cosmos.
Más recientemente, presentó En attendant (Esperando), una exposición distribuida en tres sedes que ofrecía una perspectiva diferente de sus métodos de trabajo, explorando el carbón vegetal como medio de transformación, los ciclos de la naturaleza, el tiempo, las catástrofes y la espera activa. La muestra se presentó en la histórica Abbaye de Beaulieu-en-Rouergue, en Francia; en su ciudad natal de Cheongdo, Corea del Sur; y en el espectacular Museum SAN de Wonju, un templo modernista dedicado al arte y diseñado por Tadao Ando.
Tras estas extraordinarias combinaciones de métodos de trabajo antiguos y contemporáneos, la exposición del artista en Perrotin París, su novena muestra individual con la galería desde que se incorporó a ella en 2018, presenta una instalación inmersiva que se extiende por dos plantas del espacio expositivo y su jardín.
Además de sus característicos ensamblajes Issu de Feu sobre lienzo y sus esculturas Brushstroke-Bronzes, la amplia exposición incluirá un nuevo video, las innovadoras piezas Brushstroke-Staples de Lee Bae y la presentación de sus ensamblajes Issu de Feu-Performance, cuyas formas se inspiran en elementos de la performance ritual que el artista realiza en un arrozal coreano y que aparece registrada en video.
Titulada Attending (Estar presente), la exposición profundiza en el concepto de la espera, o gidarim en coreano, que puede entenderse como una acción: una experiencia emocional completa de anticipar algo o a alguien que nos importa profundamente.
Lee Bae eligió Attending como título de la exposición para ofrecer una nueva perspectiva sobre la actitud de esperar, un tema que ha definido su obra durante mucho tiempo. Attending significa estar plenamente presente en el momento mientras se aguarda algo que todavía no ha llegado. Implica prestar atención, escuchar detenidamente y concentrarse en el tiempo, el espacio y la propia existencia.
El nuevo video, Becoming (Devenir), registra mediante una performance cómo Lee Bae se funde con la naturaleza y su tierra natal. Situado en un arrozal, el artista recorre el terreno y grandes extensiones de tela blanca con una escoba elaborada a partir de ramas de árboles atadas entre sí.
Se desplaza por el entorno inundado, se detiene meditativamente para planear su siguiente movimiento y después actúa con su escoba, realizando gestos caligráficos. Está trabajando la tierra, lo que refleja la estrecha relación con el trabajo manual presente en toda su producción artística, desde la recolección de árboles y la fabricación del carbón vegetal hasta el carácter repetitivo y casi meditativo de su aproximación al arte.
Sus nuevas obras Issu de Feu-Performance, creadas mediante fragmentos de carbón ensamblados sobre piezas recortadas de tablones de madera, reproducen la silueta del artista mientras se mueve en el video.
Congelada de manera abstracta en el tiempo, la figura adquiere una poderosa presencia tridimensional a medida que la luz se refleja en los planos cambiantes de los fragmentos de carbón que conforman el mosaico.
De manera relacionada, sus piezas Brushstroke-Staples, que también reflejan la luz, son obras caligráficas que simulan grandes pinceladas y gestos expresivos mediante agrupaciones de grapas metálicas.
Retomando de forma innovadora el uso anterior de este material, Lee Bae emplea este objeto cotidiano de oficina para recrear trazos meditativos, colocando miles de grapas individuales hasta formar una superficie de gran riqueza textural que captura la luz y revela un movimiento visible de energía.
En el jardín, Lee Bae presenta una escultura perteneciente a su reconocida serie Brushstroke-Bronze. Aunque está realizada en bronce, el material ha sido tratado para alcanzar una negrura casi idéntica a la del carbón vegetal.
La obra no se limita a imitar el carbón, sino que conserva su lenguaje en otro material mediante una superficie rugosa, un negro que absorbe la luz, una textura que parece marcada por el fuego y una línea que se congela repentinamente en pleno movimiento.
El bronce aporta peso y permanencia a la obra, mientras que el carbón traslada su memoria y espiritualidad a esta nueva forma.
El trabajo de Lee Bae en bronce va más allá de ampliar la escala visual y espacial; también implica transformaciones materiales más profundas. La primera de ellas atraviesa los límites dimensionales: un gesto rápido, antes confinado al papel, se convierte en una forma tridimensional alrededor de la cual es posible caminar, contemplarla desde abajo y examinarla de cerca. La pincelada evoluciona de una marca sobre una superficie a una forma física situada entre la tierra y el cielo.
Mientras que la extraordinaria escultura del jardín de Lee Bae presenta elementos superpuestos de gestos individuales que se integran en una pieza unificada, las obras igualmente dinámicas exhibidas en las ocho salas interiores están conectadas por un cable, semejante al alambre expresivamente anudado que mantiene unidos los haces de madera quemada de sus esculturas.
Esta conexión forma un fascinante hilo poético que recorre la continuidad de la obra imaginativa y en constante evolución de este artista establecido entre París y Seúl.
