SEÚL.- White Cube Seoul presenta un nuevo conjunto de obras de la artista brasileña Marina Rheingantz, cuyas pinturas transforman recuerdos, fotografías e impresiones del paisaje brasileño en territorios cambiantes y esquivos que se resisten a quedar fijados en un lugar determinado.

En lugar de representar sitios específicos, Rheingantz construye sus paisajes a partir de un archivo personal en constante evolución que incluye fotografías, referencias textiles, influencias pictóricas y recuerdos de su infancia en la zona rural de Araraquara, Brasil. Sus obras parecen situarse con frecuencia entre el reconocimiento y la abstracción, como si la imagen estuviera apareciendo y desapareciendo continuamente ante nuestros ojos.

Esa sensación de inestabilidad ocupa un lugar central en Míope (2026), la pintura que da título a la exposición. La palabra portuguesa significa “miope”, una descripción muy adecuada para el enfoque más amplio de Rheingantz hacia el paisaje. Sobre el lienzo aparecen fragmentos botánicos en tonos malva, lavanda y ocre, realizados mediante delicadas marcas puntiformes. Algunas zonas parecen estar perfectamente enfocadas, mientras que otras se disuelven en una neblina, creando un efecto que puede recordar a una visión doble o incluso triple.

La artista consigue estas superficies mediante un proceso que combina la aplicación y la eliminación de pintura. El pigmento se acumula, se adelgaza, mancha y escurre, produciendo lienzos que llegan a parecer terrenos por derecho propio. Rheingantz utiliza con frecuencia aguarrás para diluir la pintura al óleo, permitiendo que el color se extienda por la superficie e introduciendo así un elemento de imprevisibilidad en la obra.

En Pipa (2026), la pintura de mayor formato de la exposición, una forma semejante a una nube flota sobre un campo rosa pálido. A primera vista, la composición parece casi suspendida en el aire, pero poco a poco las marcas dispersas comienzan a sugerir hojas, cabezas de semillas, tallos y flores. El espectador vuelve a sentirse atraído hacia el suelo, incluso mientras la pintura se niega a establecer un horizonte o una perspectiva estables.

Esa incertidumbre reaparece a lo largo de toda la exposición. Rheingantz rara vez permite que la mirada se acomode en las convencionales divisiones entre primer plano, plano medio y fondo. En su lugar, la escala y la profundidad permanecen fluidas. Sus composiciones se alejan del punto de vista fijo asociado con la perspectiva lineal occidental y se aproximan a una comprensión más relacional del espacio pictórico, en la que ninguna posición única domina la imagen.

En Bromélia Caranguejo (2026), unas ramas oscuras parecen sugerir inicialmente un primer plano, pero el aparente paisaje detrás de ellas está dividido en superficies verdes y crudas que se resisten a cualquier retroceso claro hacia la profundidad. Lo que podría parecer un paisaje termina convirtiéndose en un campo de color, marcas e intervalos.

La presencia física de la pintura resulta especialmente marcada en varias de las obras de menor formato. Periquita, Caracol y Taturana, todas de 2026, presentan superficies moteadas que recuerdan al papel tapiz desgastado o a frescos envejecidos. Sus títulos hacen referencia a especies originarias de Brasil, aportando una asociación geográfica concreta a composiciones que, por lo demás, permanecen en gran medida abstractas. Algunos pasajes de pintura pueden sugerir plumaje, pelaje, conchas o depósitos minerales sin llegar a definirse completamente como ninguno de ellos.

El patrón también desempeña un papel importante en la obra de Rheingantz. En Manacá (2026), la repetición de formas botánicas y la aparición intermitente de marcas lineales confieren a la superficie pintada una cualidad casi tejida. La artista ha señalado al pintor francés del grupo Nabis Édouard Vuillard como una de sus influencias, en particular por su capacidad para disolver las distinciones entre figuras, paredes estampadas y superficies decorativas. Rheingantz lleva esta ambigüedad visual aún más lejos, permitiendo que los motivos repetidos se conviertan en el propio paisaje.

Su interés por los textiles se ha extendido cada vez más allá de la pintura. En los últimos años, Rheingantz ha explorado el bordado y el tapiz, colaborando con su madre y con el artesano uruguayo Jorge Francisco Soto. La obra bordada Outono (2026) está estructurada mediante hileras de puntadas repetidas que atraviesan la composición como surcos de tierra cultivada. Hacia la parte inferior, estas zonas cosidas se vuelven más densas y terrosas, mientras pequeñas formas flotantes interrumpen el orden estricto del tejido.

Aunque los paisajes de Rheingantz evitan representar lugares identificables, Brasil sigue siendo una presencia constante. Aparece a través de referencias a plantas y animales autóctonos, en los recuerdos de su infancia en Araraquara y en una sensibilidad material más amplia en la que la geografía no se entiende como algo estático, sino como algo transformado continuamente por el tiempo, el clima y la intervención humana.

Para Rheingantz, el paisaje es menos un tema que debe ser registrado que una condición en transformación permanente. Sus pinturas reflejan procesos de crecimiento, erosión, acumulación y desaparición, dejando sus formas deliberadamente abiertas y vulnerables al cambio.

Nacida en Araraquara en 1983, Rheingantz vive y trabaja en São Paulo. Entre sus exposiciones individuales recientes se encuentran presentaciones en ICA Milano; el Musée des Beaux-Arts de Nîmes; Bortolami, Nueva York; White Cube, Londres; Fortes D’Aloia & Gabriel, São Paulo; y FRAC Auvergne, Clermont-Ferrand.

Su obra también ha formado parte de importantes exposiciones internacionales, entre ellas la 15ª Bienal de Gwangju y la 14ª Bienal do Mercosul, así como de presentaciones en Moderna Museet, Museum Voorlinden y el Museu de Arte do Rio.

La obra de Rheingantz forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas, entre ellas el Centre Pompidou de París, Los Angeles County Museum of Art, Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, Tate de Londres, Stedelijk Museum de Ámsterdam, Pinacoteca do Estado de São Paulo y Pinault Collection.