PARÍS.- Para inaugurar su temporada de otoño de 2026, Galerie Miranda presenta una exposición de dos artistas contemporáneas, Justine Kurland (1969, estadounidense) y Mariah Robertson (1975, estadounidense), ambas reconocidas por desafiar las convenciones de la fotografía. En la exposición Antiphoto, Justine Kurland y Mariah Robertson no solo cuestionan el canon fotográfico: lo ponen bajo asedio, recortando, interviniendo con pintura, fotocopiando y reutilizando algunos de sus pilares fundacionales.

Justine Kurland aporta a la exposición dos conjuntos de obra claramente diferenciados. 99 Nudes on the Wall (2026) es un collage compuesto por noventa y nueve partes. Instalado como un mural expansivo, evoluciona en tiempo real a medida que se realizan ventas: las obras individuales se retiran cuando son adquiridas, generando composiciones dinámicas que reflejan las exigencias del mercado.

También se exhiben tres pinturas de la reciente serie de Kurland Bad Hand (2025). En estas obras, la artista copia las naturalezas muertas de su difunto padre mediante óleo aplicado sobre lienzos realizados con collages del mismo material de origen: Nudes, de Lee Friedlander. Estas pinturas funcionan como actos insurgentes de reapropiación autoral radical, en los que la alegoría de la vida y la muerte propia de la naturaleza muerta adquiere una dimensión política. Las obras nos invitan a preguntarnos, de manera muy concreta, qué vidas se consideran valiosas y cuáles no.

En ambos conjuntos de obra, Kurland critica la herencia paterna y el mito del genio artístico masculino y de la originalidad. El desnudo y la vanitas —uno asociado a la subordinación de las mujeres y la otra a la transformación de objetos cotidianos en símbolos— pertenecen a mundos distintos. Al combinar ambos géneros, Kurland contamina deliberadamente la supuesta pureza de los dos y reivindica la experiencia corporal de su propia mano. Sin embargo, el cuidadoso oficio de su pintura también revela el afecto perdurable que siente por su padre.

Kurland presenta estos dos grupos de obras dentro del contexto más amplio de su serie SCUMB, una reinterpretación disruptiva y táctil del canon fotográfico. La artista inició el proyecto como una forma de purga, extrayendo material fotográfico y corporal de su biblioteca personal de fotolibros y utilizándolo para crear collages como un acto simultáneo de eliminación y recuperación.

El collage ha estado históricamente asociado con el trabajo femenino y, en términos más amplios, con el ámbito doméstico, lo que lo convierte en una poderosa estrategia feminista tanto en la vida como en el arte. Cada una de las obras de la serie presentada por Galerie Miranda constituye, al mismo tiempo, un desmembramiento literal del patriarcado y una inversión de género de los términos habituales de posesión.

La nueva obra de Mariah Robertson presentada en Galerie Miranda consiste en una instalación que anticipa un próximo libro de artista. Desde 2016, Robertson ha estado desarrollando risografías para un proyecto editorial que actualmente supera las 300 páginas.

Alejándose de la rigurosa abstracción de su práctica en el cuarto oscuro, este nuevo proyecto reúne dibujos, fotografías, notas e imágenes procedentes de múltiples cuerpos de obra en un libro visual, sin textos, que gradualmente ha evolucionado hasta convertirse en una especie de autorretrato indirecto. Organizado a partir de capítulos y temas recurrentes, el libro incorpora materiales reunidos a lo largo de casi una década de investigación artística y personal.

Las ediciones en risografía incluidas en esta exposición proceden directamente de un capítulo dedicado a explorar el desnudo masculino. Robertson escribe: “Es exigir muy poco de uno mismo confundir el deseo personal con la inspiración sin incorporar los frutos del pensamiento analítico y de la conciencia de uno mismo”.

Como un flujo visual de conciencia, las risografías de Mariah Robertson se presentan sin marco en Galerie Miranda, formando un friso mural vibrante y jubiloso organizado mediante una gradación de color.

En contraste con la práctica consolidada de Robertson, basada en obras fotográficas únicas realizadas mediante un proceso altamente físico en el cuarto oscuro, las risografías constituyen un cuerpo de obra producido en edición. La elección de la impresión risográfica para este nuevo proyecto cuestiona las normas del mercado relacionadas con la producción, valorización y exhibición del arte.

Una impresora risográfica tiene el aspecto de una fotocopiadora, pero funciona de manera similar a una serigrafía, permitiendo producir impresiones de colores intensos a bajo costo y con un impacto ambiental reducido. Este procedimiento remite al movimiento Xerox Art o Copy Art de la década de 1960, especialmente adoptado por mujeres artistas que lo utilizaron para desafiar el modelo dominante de producción artística y creación de valor.

Con la xerografía, una imagen infinitamente reproducible por medios mecánicos se convirtió en una amenaza para las celebradas —y con frecuencia masculinas— obras del Expresionismo Abstracto. Las imágenes xerográficas subvertían el uso previsto de la fotocopiadora como herramienta de oficina, habitualmente manejada por secretarias, para producir composiciones, información y circuitos de distribución capaces de cuestionar el statu quo artístico y político.

MARIAH ROBERTSON (1975, estadounidense)

Mariah Robertson es una artista radicada en Nueva York cuya obra explora los sistemas, reglas y supuestos inherentes a la práctica fotográfica. Utilizando el cuarto oscuro como espacio de improvisación y performance, se vale del azar, la escala y las limitaciones materiales para investigar cuestiones más amplias relacionadas con la autoridad, el valor y las estructuras sociales: “No hay imagen, solo un rastro en cada página de lo que ocurrió sobre ella”.

Su obra realizada en el cuarto oscuro sigue un protocolo altamente experimental: la artista aplica los químicos fotográficos directamente sobre el papel, ignorando las reglas habituales y “sagradas” de la fotografía, como la prohibición de tocar el papel fotográfico, de permitir pliegues u otras pequeñas imperfecciones en su superficie o de trabajar con condiciones de luz o temperatura no controladas.

Mariah Robertson obtuvo su BFA en la University of California, Berkeley, y su MFA en Yale University. Ha participado en exposiciones como A World of Its Own: Photographic Practices in the Studio en el Museum of Modern Art de Nueva York; Outside the Lines: Rites of Spring en el Contemporary Arts Museum, Houston; Process and Abstraction en Transformer Station, Cleveland Museum of Art; y The Sky’s the Limit en el National Museum of Women in the Arts, Washington D.C.

Entre sus exposiciones individuales se encuentran Mariah Robertson en el BALTIC Centre for Contemporary Art, Reino Unido, y Mariah Robertson: Let’s Change en Grand Arts, Kansas City. Su obra forma parte de las colecciones del Whitney Museum of American Art de Nueva York, el Museum of Modern Art de Nueva York y Los Angeles County Museum of Art, entre otras instituciones.

Mariah Robertson vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Además de su práctica expositiva, Robertson ha cofundado dos espacios gestionados por artistas y creó The Free Art School, un podcast que ofrece enseñanza y diálogo para artistas.

JUSTINE KURLAND (1969, estadounidense)

Justine Kurland es una artista estadounidense conocida por sus fotografías utópicas de paisajes estadounidenses y de las comunidades marginales, tanto reales como imaginadas, que los habitan. Durante más de tres décadas, Kurland ha explorado temas como la libertad, el sentido de pertenencia, el deseo utópico y la resistencia frente a las narrativas culturales dominantes.

En los últimos años, Kurland ha ampliado su práctica mediante el collage, la pintura y los libros de artista. Su serie más reciente y aún en desarrollo, SCUMB Manifesto, revisita y transforma libros de fotógrafos masculinos canonizados mediante actos de corte, desmantelamiento y reconstrucción.

Inspiradas en las historias feministas de protesta y recuperación, estas obras critican simultáneamente las exclusiones presentes en los cánones fotográficos y crean nuevos espacios visuales para las mujeres y otros sujetos históricamente poco representados. A través de procesos de destrucción y reparación, Kurland reconfigura las narrativas heredadas y propone historias alternativas de la fotografía.

Justine Kurland obtuvo su BFA en 1996 en la School of Visual Arts de Nueva York y su MFA en 1998 en Yale University. Su obra ha sido ampliamente exhibida en museos y galerías de Estados Unidos y del extranjero, y forma parte de numerosas colecciones públicas, entre ellas las del Whitney Museum of American Art, Solomon R. Guggenheim Museum, Museum of Modern Art, Carnegie Museum of Art, J. Paul Getty Museum, National Gallery of Art, Montreal Museum of Fine Arts y Victoria and Albert Museum.

Kurland ha publicado varios libros, entre ellos Highway Kind (Aperture, 2016), Girl Pictures (Aperture, 2018), SCUMB (Mack, 2022) y 99 Nude Collages on the Wall (autoeditado/libro de artista, 2025).

También ha impartido clases en distintas instituciones y universidades de Nueva York y sus alrededores, entre ellas Parsons School of Design, Sarah Lawrence College, Columbia University y el International Center of Photography.