NUEVA YORK.- Una abundante selección de tesoros del arte asiático será presentada cuando la edición de otoño de 2026 de Asia Week New York abra sus puertas el 10 de septiembre y continúe hasta el 18 de septiembre. Con más de una docena de exposiciones en galerías de Nueva York y en línea, combinadas con las subastas de otoño de Bonhams, Christie’s, Doyle, Freeman’s, Heritage Auctions y Sotheby’s, la semana promete convertirse en un destino tanto para coleccionistas como para aficionados al arte asiático.

“Estamos encantados de presentar nuestra edición compacta de otoño de 2026 de Asia Week New York”, señaló Margi Gristina, presidenta de Asia Week New York. “Nuestros participantes nunca dejan de reflejar la diversidad y la esencia de este campo”.

Arte chino antiguo y/o contemporáneo

Alisan Fine Arts celebra en 2026 sus 45 años de apoyo al arte chino contemporáneo, y Chao Chung-hsiang ha sido una figura fundamental en la historia de la galería desde sus primeros años. Chao estudió con el reconocido artista Lin Fengmian en el National College of Art de Hangzhou en 1939, antes de emigrar a Taiwán en 1948. Sus estudios en España y experiencias en Europa lo llevaron a Nueva York en 1958, donde entró en contacto con el dinámico mundo del Expresionismo Abstracto y otros movimientos artísticos de posguerra.

Sus obras exploran temas relacionados con la naturaleza, la espiritualidad y la abstracción, con flores, peces, aves e imágenes cósmicas. Esta exposición se centra en sus pinturas de tinta en blanco y negro junto con sus reconocidas “pinturas híbridas” de aves y peces, realizadas con brillantes acrílicos sobre tradicionales aguadas de tinta.

120 East 65th Street

La Exhibition of Chinese Porcelains and Works of Art in both Chinese and Western Taste en Ralph M. Chait Galleries, Inc. ofrece una visión amplia, aunque pone especial énfasis en varias obras maestras, principalmente procedentes de colecciones privadas estadounidenses. Entre las piezas destacadas figura una pareja de jarrones de porcelana azul y blanca con forma de cola de fénix del periodo Kangxi, 1662–1722, así como una muy rara pareja de figuras de porcelana china de exportación del siglo XVIII que representan a un caballero y una dama, bellamente decoradas con esmaltes famille rose y vestidas con diseños que revelan su origen chino.

16 East 52nd Street, 10º piso

Fu Qiumeng Fine Art presenta A Well of Rouge, a Flower of Fortune: Teaching and Learning in Chinese Flower Painting, centrada en las lecciones de pintura floral de Li Fenggong. La exposición incluye demostraciones de baimiao, o “dibujo de contorno”, acompañadas de instrucciones escritas y de las anotaciones en bermellón de Li.

Originario de Dongguan, Guangdong, Li posteriormente enseñó en la Guangzhou Municipal Art School antes de fundar la Fenggong Chinese Painting Academy en Hong Kong. Debido a que este tipo de materiales pedagógicos solían desecharse, estas lecciones conservadas son excepcionalmente raras. Aunque no están fechadas, una inscripción de 1984 realizada por Guo Tianyou sugiere que datan de las décadas de 1930 y 1940.

Se exhiben junto a más de diez pinturas florales que abarcan desde las dinastías Ming y Qing hasta la era moderna, siguiendo la transmisión de la pintura china de aves y flores de maestro a alumno a lo largo de los siglos.

65 East 80th Street, planta baja

Una impresionante selección transversal de cerámica china y japonesa podrá verse en Zetterquist Galleries. Las piezas japonesas abarcan desde los periodos Kofun hasta Edo, además de un grupo de cerámicas modernas japonesas del siglo XX fechadas entre las décadas de 1930 y 1990. Los maestros modernos Kawai Kanjiro, Shimaoka Tatsuzo, Yagi Akira y Takiguchi Kazuo forman parte de este último grupo.

Entre las cerámicas presentadas se encuentran una cabeza haniwa de una figura de guerrero, piezas Sueki del siglo VI, un cuenco de té Oribe de forma Kutsu-gata de finales del siglo XVI o comienzos del XVII, un refinado ejemplo de plato policromado Nabeshima de finales del siglo XVII y otras obras del periodo Edo.

Entre las cerámicas de las dinastías Tang y Song procedentes de los hornos Ding, Yaozhou y Yue del norte, así como piezas Qingbai de hornos del sur, destaca una gran jarra lobulada Qingbai con tapa de la dinastía Song, anteriormente perteneciente a una colección privada japonesa.

3 East 66th Street, 2º piso, con cita previa

Arte japonés antiguo y/o contemporáneo

Kiyomizu Rokubei: 250 years of Ceramic Expression from Kyoto en Dai Ichi Arts, Ltd. presenta una atractiva selección de obras de la quinta a la octava generaciones de una de las dinastías cerámicas más distinguidas de Japón.

Establecido en Kioto desde mediados del periodo Edo, el linaje Rokubei ha perdurado gracias a una continua reinvención, con cada generación respondiendo a los avances artísticos y tecnológicos de su época. La exposición sigue esta evolución desde los experimentos de la quinta y sexta generaciones con esmaltes, decoración pintada y referencias clásicas, hasta las formas escultóricas construidas con placas y de inspiración arquitectónica de la séptima y octava generaciones.

El actual jefe de la familia, Kiyomizu Rokubei VIII, Masahiro, viajará desde Kioto para asistir a la recepción inaugural en Dai Ichi Arts el 10 de septiembre.

18 East 64th Street, Suite 1F, con cita previa

Ippodo Gallery estrenará la exposición individual Kaori Someya: The Light Within. Someya, pintora Nihonga radicada en Tokio, trabaja con la técnica milenaria del urahaku, que consiste en respaldar papel washi translúcido con hoja de oro y platino para que sus pinturas parezcan emitir una luz interior.

Sus retratos de mujeres vestidas con kimonos ricamente estampados exploran la tensión entre las expectativas sociales y la persistencia silenciosa de la identidad personal. Se exhibirán más de una docena de nuevas obras, entre ellas la pieza central de la exposición, Pictures of Seasonal Changes in Dress, un biombo Nihonga que representa a dos mujeres en contemplación silenciosa.

Realizada con pigmentos minerales, washi, tinta y hoja metálica, la obra equilibra la quietud con la energía del respaldo dorado de urahaku y los colores vibrantes.

35 North Moore Street, planta baja

Joan B. Mirviss LTD presenta Patina of Time, su esperada exposición individual de nuevas obras de Iguchi Daisuke, realizadas específicamente para esta muestra, una década después de su exitoso debut internacional en la galería.

Originario del noreste de Japón, Iguchi crea vasijas escultóricas dentro de la tradición de algunos de los maestros ceramistas más reconocidos de la región, Kamoda Shōji y Wada Morihiro. Mediante patrones lineales que ondulan en perfecta armonía con las formas suavemente curvas y ocasionalmente lobuladas de sus recipientes, la obra de Iguchi continúa el legado de una cerámica que unifica superficie y forma.

El artista ha desarrollado un proceso único para crear texturas erosionadas y desgastadas en las superficies de sus vasijas, que contrapone con patrones metálicos caracterizados por una precisión matemática.

39 East 78th Street, 4º piso

Onishi Gallery celebra su 20 aniversario con Homo Faber—Man the Maker, una exposición que reúne a diez artistas contemporáneos. Entre ellos se encuentran Kaneshige Kosuke, Rusu Aki, Konno Tomoko, Onihira Keiji y Noguchi Ken, quienes emplean materiales que van desde oro y plata hasta cáscara de huevo y conchas marinas, reinterpretando las tradiciones japonesas desde nuevas perspectivas contemporáneas.

En conjunto, sus obras reflejan la naturaleza transformadora del arte y el diálogo entre quienes lo crean.

16 East 79th Street

Scholten Japanese Art presentará The León Chattah Collection of Modern Japanese Prints, un grupo de aproximadamente sesenta obras de maestros del shin hanga del siglo XX procedentes de la colección “oculta” de León Chattah (1934–2025).

Recientemente redescubierta por su familia, esta notable “colección cápsula” había permanecido guardada en el fondo de un armario de un apartamento de Nueva York desde principios de la década de 1980.

Una de las piezas más destacadas de la colección Chattah es Twenty Views of Tokyo: Shiba Zojo Temple, conocida popularmente como Snow at Zojoji Temple, de Kawase Hasui, una escena invernal en la que el artista captura la serena quietud de la nieve cayendo sobre los terrenos de un histórico templo budista.

En los últimos años, esta estampa se ha convertido en el paisaje shin-hanga más famoso y, más recientemente, posiblemente en una de las xilografías japonesas más reconocibles de todas.

145 West 58th Street, Suite 6D, se agradece cita previa

La exposición individual Kiyoshi Hamada: Gazing Into Stillness—Works 1975–2026 en SEIZAN Gallery New York recorre cinco décadas de trabajo, desde 1975 hasta la actualidad.

Se incluyen todas las etapas de la obra de Hamada, comenzando con las pinturas sobre madera contrachapada de líneas rojas realizadas a mediados de la década de 1970, seguidas por la serie DRAWING, iniciada en los años ochenta, en la que Hamada convirtió el acto elemental y laborioso de dibujar con grafito sobre papel en una meditación sobre el tiempo acumulado.

En la década de 2000, Hamada inició otro conjunto de obras basado en superponer, raspar y tallar la pintura para revelar estratos de color ocultos. También se presentan sus trabajos más recientes en tinta sobre papel.

525 West 26th Street, planta baja

En su galería de Santa Fe, TAI Modern presenta Sencha to Sculpture: The Evolution of Japanese Bamboo Art to the 1960’s, una exposición que sigue la transformación del arte japonés del bambú desde los utensilios para la ceremonia del té hasta las formas escultóricas.

Esta primera entrega de una serie prevista en tres partes reúne cerca de 50 obras de bambú e introduce piezas del linaje Minminsai, entre ellas una cesta firmada por Kobayashi Minminsai I (f. 1791).

Esta cesta resulta especialmente notable porque es anterior a la obra de Hayakawa Shokosai I (1815–1897), quien durante mucho tiempo fue considerado el primer artista japonés del bambú en firmar sus obras. La pieza identifica así a Minminsai I, y no a Hayakawa, como el primer firmante confirmado en la historia de este medio.

1601 Paseo de Peralta, Santa Fe, Nuevo México

Japanese Masterpieces 17th–21st Centuries en Thomsen Galleries presentará un biombo de seis paneles de principios del siglo XVII con escenas de la vida en la corte imperial china, así como una pareja de biombos que representan lugares situados a lo largo de la ruta Tokaido.

Entre las obras posteriores se incluye una composición sobre hoja de oro con cerezos y arces en flor de principios del siglo XIX y un biombo de Fudo Ritsuzan de la década de 1930.

En el centro de la exposición se encuentra un conjunto de rollos colgantes realizados por destacados pintores de las eras Taisho y comienzos de Showa, entre ellos Yamamoto Shunkyo, Kikuchi Keigetsu, Ikeda Yoson y Konoshima Ōkoku. Fue un periodo en el que los artistas que trabajaban para el mercado nacional incorporaron un nuevo naturalismo y experimentación occidental a formatos tradicionales.

La exposición también incluye cestas de bambú para ikebana realizadas por maestros como Tanabe Chikuunsai II y Hayakawa Shōkosai V, quien fue Tesoro Nacional Viviente, además de bronces modernos y contemporáneos.

8 East 67th Street

Arte coreano antiguo y/o contemporáneo

En HK Art and Antiques LLC, Painters and Their Portraits: Four Women Artists from Korea, Europe and the United States es una exposición colectiva dedicada a cuatro destacadas artistas cuyas prácticas abarcan Corea, Alemania, Francia y Estados Unidos: Ouhi Cha (n. 1945), Myong Hi Kim (n. 1949), Kim Sanglan (n. 1952) y Cornelia Thomsen (n. 1970).

Aunque proceden de culturas distintas y trabajan con pintura, escultura, instalación y dibujo, las cuatro comparten una orientación fundamental: cada una ha construido su práctica atravesando fronteras y negociando entre Oriente y Occidente, pasado y presente, lo profundamente personal y lo ampliamente histórico.

La exposición parte de la experiencia de vivir y trabajar entre distintos mundos, no como ruptura o exilio, sino como una fuerza generadora y sostenida.

8 East 67th Street, planta baja

Cambiando el enfoque del arte japonés al coreano para su exposición de otoño, Sebastian Izzard LLC Asian Art presentará Meritorious Men and Virtuous Women: Five Important Eighteenth Century Korean Paintings, un pequeño pero fascinante conjunto de raras pinturas figurativas de finales de la dinastía Joseon.

Formaban parte de una tradición de pinturas conmemorativas realizadas por pintores de la corte Joseon sobre célebres eruditos-funcionarios, casi siempre hombres. Las normas de decoro predominantes preferían que la vida doméstica de las mujeres de las clases altas permaneciera en privado.

Por ello, el grupo de cuatro pinturas de mujeres virtuosas de Jang Shiheung resulta especialmente notable. La gran escala de las figuras en relación con los elementos domésticos representados y el abundante uso de pigmentos de vivos colores con detalles dorados refuerzan la importancia de estas obras.

17 East 76th Street, 3º piso

Tina Kim Gallery presenta Maia Ruth Lee: Double Vision, la segunda exposición individual de la artista con la galería.

Reuniendo un nuevo conjunto de pinturas pertenecientes a la serie en curso Bondage Baggage, así como amplias obras escultóricas, video e instalación, la muestra examina la migración como una condición de percepción simultánea, en la que coexisten múltiples historias, temporalidades y sistemas de conocimiento.

El título procede de los escritos de Homi Bhabha y Salman Rushdie, en los que la “doble visión” del migrante se describe como la experiencia de ver simultáneamente el lugar que se dejó atrás y el lugar que se habita ahora, comprendiendo que ninguna de las dos perspectivas está completa por sí sola.

Para Lee, esta idea se convierte menos en una metáfora que en una forma de trabajar. A través de pintura, escultura, cine e instalación, considera cómo la memoria, el lenguaje y la experiencia material se acumulan mediante el movimiento, produciendo formas que contienen simultáneamente contradicción, comparación y superposición.

525 West 21st Street

La galería Space 776, con sedes en Nueva York y Seúl, presentará Between Time and Being, una exposición individual de la artista coreana radicada en Nueva York Hijo Nam.

Reuniendo obras textiles, esculturas de laca, pintura y técnica mixta, la exposición considera cómo el tiempo, la memoria y las relaciones participan en la formación de la existencia humana.

El compromiso de Nam con las tradiciones materiales coreanas otorga a estas ideas una resonancia particular dentro de la edición de otoño de Asia Week New York. Textiles, laca, cáñamo, hanji y trabajo manual entran en su práctica no como motivos históricos que deban reproducirse, sino como materiales y procesos vivos capaces de transformarse.

Su obra se mueve entre métodos heredados y abstracción contemporánea sin exigir que uno se oponga al otro. La tradición deja de ser una imagen fija del pasado para convertirse en una forma de hacer mediante la cual el pasado continúa activo en el presente.

37 Clinton Street

Estas dos galerías situadas fuera de Nueva York presentan exposiciones de sus obras en sus respectivos sitios web:

La exposición de Egenolf Gallery Japanese Prints, New and Creative: Japanese Prints from the 20th Century, incluye obras de los gigantes del shin-hanga, o “nuevos grabados”, Kawase Hasui y Ohara Koson, además de una selección de piezas del movimiento de “grabados creativos” (sosaku hanga).

Entre las obras destacadas se encuentra un diseño anterior al terremoto, excepcionalmente raro, perteneciente a la serie Selection of Scenes of Japan. Se trata de la primera obra de Hasui que aborda un grupo de personas, cuyas pequeñas figuras aparecen bellamente representadas dentro de la composición.

Varias embarcaciones pesqueras ocupan el plano medio, mientras que la ciudad balnearia de Beppu y las montañas lejanas aparecen recortadas en un tono azul violáceo. Procede de una edición limitada; en el reverso lleva el número “nueve” de una edición de 300 estampas.

www.egenolfgallery.com/

Francesca Galloway presentará Observed & Imagined Indian Painting 17th–19th Century, una selección de importantes pinturas indias reunidas en una publicación impresa.

Las obras sobre papel, un pequeño grupo de las cuales procede de una colección privada inglesa, han sido investigadas y estudiadas por John Seyller y otros especialistas. La publicación explora temas como la devoción, la realeza y la narración a través de las distintas obras.

Maharaja Raj Singh and His Grandson Bhavani Singh in Procession, una de las dos pinturas que representan la fastuosidad de la realeza india, procede de Sitamau, un fascinante pero poco conocido centro de pintura india situado en un pequeño estado del distrito de Mandsaur, en Madhya Pradesh.

Solo se han conservado los nombres de tres artistas de Sitamau. Esta pintura, fechada en 1847, está firmada por Pyar Chand, el más extraordinario de esos tres artistas. Produjo obras singulares que encarnan los brillantes colores y las composiciones abstractas asociadas con lo mejor de la pintura rajput.