MINNEAPOLIS.- La primera gran retrospectiva museística dedicada a la innovadora artista Suzanne Jackson abrió sus puertas en el Walker Art Center. Bajo el título What Is Love (Qué es el amor), la exposición recorre la entrega de toda una vida de Jackson a la belleza entendida como una fuerza política.

La artista comenzó a mostrar su obra a finales de la década de 1960, una época en la que a los artistas negros de Estados Unidos se les presionaba con frecuencia para producir trabajos figurativos con un mensaje político explícito. Jackson, sin embargo, permaneció comprometida con abrirse un camino propio y crear bajo sus propios términos, desarrollando un extraordinario cuerpo de obra caracterizado por la abstracción, el lirismo y la experimentación con los materiales.

What Is Love constituye la revisión más completa de su trayectoria hasta la fecha. La muestra reúne más de 50 obras y abarca seis décadas de innovación artística.

Suzanne Jackson: What Is Love permanecerá abierta en el Walker del 14 de mayo al 23 de agosto de 2026. La exposición fue organizada conjuntamente por el Walker y el San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), donde se presentó por primera vez en el otoño de 2025.

En el Walker, la muestra está curada por Taylor Jasper, curadora asociada Susan and Rob White de Artes Visuales, con el apoyo de Laurel Rand-Lewis, becaria curatorial de Artes Visuales. Después de su presentación en Minneapolis, viajará al Museum of Fine Arts de Boston.

A lo largo de su brillante y multifacética carrera, Jackson ha sido bailarina, poeta, educadora, galerista, diseñadora de vestuario y escenografía, y administradora cultural. Sin embargo, ante todo, se considera pintora.

What Is Love sigue la evolución de su singular práctica pictórica, desde sus primeras composiciones etéreas sobre lienzo, construidas mediante capas luminosas de pintura, hasta las obras tridimensionales que ha realizado durante los últimos 20 años.

En estos trabajos más recientes, la pintura se libera del lienzo y se convierte en composiciones luminosas suspendidas en el aire, construidas sobre una base acrílica translúcida.

A través de una experimentación ilimitada con el color, la luz y la materialidad, Jackson explora las dimensiones terrenales y espirituales del amor.

La exposición se desarrolla siguiendo un orden cronológico flexible y se divide en secciones dedicadas a momentos fundamentales de la práctica de la artista.

Al inicio de su carrera, durante las décadas de 1960 y 1970, Jackson desarrolló un lenguaje simbólico en el que figuras procedentes de sus sueños, de culturas africanas y del misticismo se entrelazaban con animales, plantas y elementos de la naturaleza.

Al trabajar el acrílico como si fuera acuarela, superponía acumulaciones de pigmento mediante “floraciones y veladuras”, creando imágenes de apariencia efímera y conexiones espirituales que expresaban un amor universal y la unidad entre la humanidad y el mundo natural.

Líricas y emotivas, estas obras estaban vinculadas con su identidad como artista negra, aunque Jackson rechazó las exigencias de expresar su voz y su experiencia de vida de maneras más explícitas y directas.

Esta visión queda plasmada con especial fuerza en el monumental tríptico In A Black Man’s Garden (1973), una poderosa afirmación sobre la belleza y el amor negros. Las formas femeninas superpuestas del panel derecho reflejan su interés por el movimiento como bailarina y por ideas más amplias relacionadas con la dualidad.

A finales de la década de 1980, Jackson estudió diseño escénico en la Escuela de Arte Dramático de Yale University. Posteriormente, recorrió distintas regiones de Estados Unidos trabajando de manera independiente como diseñadora de escenografías y vestuario.

Durante ese periodo comenzó a experimentar con papel escenográfico Bogus, un material grueso y suave utilizado para cubrir el suelo durante la pintura de decorados teatrales.

En 1996, cuando se trasladó a Georgia para enseñar en el Savannah College of Art and Design, observó que el papel absorbente cambiaba con el clima húmedo y comenzó a explorar sus posibilidades escultóricas.

Estos experimentos sentaron las bases de las llamadas “abstracciones ambientales”: pinturas de apariencia sobrenatural en las que el acrílico queda suspendido en el aire y por las que Jackson se ha vuelto ampliamente reconocida.

A lo largo de su carrera, la artista ha llevado de manera constante al límite las posibilidades de las formas y los materiales.

A principios de la década de 2000, sus pinturas abandonaron la pared y el lienzo para convertirse en capas tridimensionales y de doble cara hechas con acrílico suspendido. Sus superficies incorporan con frecuencia materiales cotidianos y objetos personales.

Sobre este descubrimiento, Jackson explicó:

“Cuando comprendí que podía suspender la pintura en el espacio, supe que había encontrado algo verdaderamente mío, que no estaba copiando ni imitando a nadie más”.

Los títulos expresivos de sus obras aportan nuevos significados a las formas abstractas, ya que la artista dedica piezas a figuras históricas, problemáticas ambientales y personas u objetos que ama.

What Is Love incluye cerca de una docena de estas cautivadoras obras, realizadas entre 2003 y 2023, entre ellas Palimpsest Grit (2022–2023), perteneciente a la colección del Walker.

Al referirse a su práctica con motivo de la exposición, Jackson señaló:

“Durante décadas, mis formas figurativas y mis estructuras desafiantes han llevado la pintura más allá de lo esperado. Mediante capas reflectantes deliberadas y pigmentos luminosos flotantes, mi obra busca formas alternativas de observar e interpretar las relaciones espaciales de acontecimientos históricos, así como las vidas de las personas negras, indígenas y de todos los pueblos del mundo, concebidas como ‘abstracciones ambientales’ de nuestro entorno”.

“Jackson ha construido durante décadas una práctica extraordinaria que combina rigor formal, sensualidad, emoción y una independencia feroz”, afirmó Jasper.

“What Is Love ofrece una visión urgente y completa de una artista cuyos logros nunca han encajado cómodamente en las categorías utilizadas para contenerla. Esta exposición deja claro que su obra no es periférica dentro de la historia del arte estadounidense, sino esencial para ella”.

Suzanne Jackson nació en 1944 en St. Louis. Su obra ha formado parte de numerosas exposiciones individuales y colectivas, entre ellas, recientemente, Whitney Biennial 2024: Even Better Than the Real Thing, en el Whitney Museum of American Art (2024); Somethings in the World, en la Galleria d’Arte Moderna de Milán (2023); To Bend the Ear of the Outer World: Conversations on Contemporary Abstract Painting, en Gagosian (2023); Just Above Midtown: 1974 to the Present, en el Museum of Modern Art (2022); la Tennessee Triennial for Contemporary Art, en el Knoxville Museum of Art (2023); Suzanne Jackson: Five Decades, en el Jepson Center/Telfair Museums (2019); y Life Model: Charles White and His Students, en el Los Angeles County Museum of Art (2019), entre otras.

Su obra pertenece a las colecciones permanentes del Museum of Modern Art, el San Francisco Museum of Modern Art, el California African American Museum, el Baltimore Museum of Art y el Art Institute of Chicago, entre otras instituciones.

Entre los reconocimientos que ha recibido se encuentran el Helen Frankenthaler Award for Painting (2024), el Jacob Lawrence Award de la Academy of Arts and Letters (2022), una beca de Anonymous Was A Woman (2021), el NYFA Murray Reich Distinguished Artist Award (2020) y una beca Painters & Sculptors de la Joan Mitchell Foundation (2019).

Vive y trabaja en Savannah, Georgia.