NUEVA YORK.- Sikkema Malloy Jenkins presenta A House Is Not a Home (Una casa no es un hogar), una exposición colectiva que explora la noción del hogar como un espacio de memoria, historia y consuelo. La muestra reúne a diez artistas que trabajan con pintura, escultura, arte textil y fotografía: Josephine Halvorson, Arturo Herrera, Greg Kwiatek, Teresa Lanceta, Liliana Porter, Alessandro Teoldi, Ana Tiscornia, Ann Toebbe, Kay Rosen y Marie Watt.
La exposición toma su título de la canción escrita en 1964 por Burt Bacharach y Hal David, popularizada por las grabaciones de Dionne Warwick, ese mismo año, y de Luther Vandross, en 1981.
Aunque su letra poética habla del amor y la añoranza, el núcleo de la canción plantea que una casa es únicamente una estructura física, mientras que un hogar es un concepto emocional que necesita de la presencia de las personas para adquirir significado. La canción subraya que una vivienda solo se convierte en un lugar cálido cuando se comparte: los muebles y las habitaciones continúan existiendo cuando están vacíos, pero una casa sin personas no puede considerarse un hogar.
En esta exposición, las obras conectan al público con esa dimensión personal del hogar. Algunos artistas exploran la historia de los lugares, como sucede en el trabajo de Marie Watt. Otros investigan los recuerdos asociados con casas específicas, entre ellos Ann Toebbe, Josephine Halvorson y Arturo Herrera.
Los escenarios y materiales domésticos también ocupan un lugar central en las prácticas de Ana Tiscornia, Teresa Lanceta, Greg Kwiatek, Alessandro Teoldi y Liliana Porter. Por su parte, las pinturas sobre papel de Kay Rosen funcionan como guía para un plano imaginario de la exposición.
Al elevar estas referencias cotidianas, los artistas tienden un puente entre la casa como estructura física y el hogar como espacio emocional.
Josephine Halvorson (n. 1981, Estados Unidos) obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en The Cooper Union y una maestría en Bellas Artes en Columbia University.
Entre sus exposiciones recientes se encuentran Dana Frankfort and Josephine Halvorson: Seeing and Reading, en el Center for the Arts de Virginia Tech (2025); Josephine Halvorson: On the Ground, en el Ogunquit Museum of Art de Maine (2022); y Contemporary Voices: Josephine Halvorson (2021), en el Georgia O’Keeffe Museum de Santa Fe, donde se convirtió en la primera artista residente de la institución en 2019.
Otras exposiciones individuales destacadas incluyen la muestra del Foster Prize en el Institute of Contemporary Art de Boston (2019); Josephine Halvorson: Measures, en el Storm King Art Center de New Windsor, Nueva York (2016); y Josephine Halvorson: Slow Burn, su primera revisión museística, presentada en el Southeastern Center for Contemporary Art de Winston-Salem, Carolina del Norte (2015).
Arturo Herrera (n. 1959, Caracas, Venezuela) obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en la University of Tulsa y una maestría en Bellas Artes en la University of Illinois Chicago.
Entre sus exposiciones individuales recientes se encuentran Fare un giro, en Spazio Supernova, Roma, Italia (2024); Arturo Herrera: You Are Here, en SITE Santa Fe, Nuevo México (2024); Arturo Herrera: Between, en The Contemporary Dayton, Ohio (2023); y Arturo Herrera: Constructed Collage, en Ruby City, San Antonio, Texas (2022).
Ha creado instalaciones de larga duración y específicas para distintos espacios, entre ellos FORMA y The Bass Museum of Art, en Miami; la sede europea de Bloomberg, en Londres; y Tate Modern, también en Londres.
Su obra forma parte de las colecciones públicas del Art Institute of Chicago; The Metropolitan Museum of Art, Nueva York; Museum of Contemporary Art, Los Ángeles; The Museum of Modern Art, Nueva York; Museo Reina Sofía, Madrid; y Tate Modern, Londres, entre otras instituciones.
Herrera ha recibido becas de la Guggenheim Foundation, The Pollock-Krasner Foundation, Artpace San Antonio, The Louis Comfort Tiffany Foundation y el DAAD de Berlín. Vive y trabaja en Berlín.
Greg Kwiatek (n. 1948, Pittsburgh, Pensilvania) obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en Carnegie Mellon University y es miembro de la Elizabeth Foundation for the Arts.
Kwiatek vivió y trabajó en Colonia, Alemania, entre 1985 y 1987, y expuso regularmente en AC Project Room, Nueva York, durante la década de 1990.
También ha presentado su obra en instituciones y galerías como David Zwirner Gallery, Christine Burgin Gallery y David Fierman Gallery, en Nueva York; Kunstraum Munich; Jagla Ausstellungsraum y Baukunst Gallery, en Colonia; el Andy Warhol Museum y el Carnegie Museum of Art, en Pittsburgh; y el Leopold Hoesch Museum, en Düren, Alemania.
Ha recibido la beca John Simon Guggenheim, el Pollock-Krasner Award y la beca Adolf and Esther Gottlieb. Su obra forma parte de las colecciones del Carnegie Museum of Art y la Colección Dirk Schroeder, en Colonia.
Teresa Lanceta (n. 1951, Barcelona) se graduó en Historia Moderna y Contemporánea en la Universidad de Barcelona y obtuvo un doctorado en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid en 1998.
Actualmente, el Museo Arqueológico Nacional de Madrid le dedica una exposición individual que permanecerá abierta hasta el 15 de noviembre de 2026.
Entre sus exposiciones individuales más importantes se encuentran Teresa Lanceta: Madraza 1349-2024, en La Madraza Centro de Cultura Contemporánea, Granada (2024–2025); Teresa Lanceta: La mémoire tissée, en el Musée d’Art Moderne de Céret, Francia (2024); El sueño de la cólcedra, en el Museo Patio Herreriano, Valladolid, España (2024); Meadows/ARCO Artist Spotlight, en The Meadows Museum, Dallas, Texas; y la retrospectiva Tejer como código abierto, presentada en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (2022) y el Institut Valencià d’Art Modern (2022–2023).
Liliana Porter (n. 1941, Buenos Aires) estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires entre 1954 y 1958, y en la Universidad Iberoamericana de la Ciudad de México entre 1958 y 1961.
Su obra se ha presentado internacionalmente desde la década de 1960. Entre sus exposiciones destacan las realizadas en el MALBA, Buenos Aires, Argentina (2025); Museo Casa de la Moneda, Madrid, España (2024); Dia Bridgehampton, Nueva York (2024); Dia Chelsea, Nueva York (2024); San Jose Museum of Art, California (2023–2024); Les Abattoirs, Musée d’Art Moderne et Contemporain, Toulouse, Francia (2023); El Museo del Barrio, Nueva York (2019); Pérez Art Museum Miami, Florida (2018); Brooklyn Museum, Nueva York; Hammer Museum, Los Ángeles (2018); la 57ª Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia, Italia (2017); Art Omi, Ghent, Nueva York (2017); y Savannah College of Art and Design, Georgia (2017).
Entre sus próximas exposiciones se encuentran presentaciones en ISLAA, Nueva York (2026), y Louvre-Lens, Lens, Francia (2026).
Alessandro Teoldi (n. 1987, Milán, Italia) obtuvo una maestría en Bellas Artes por ICP–Bard College en 2013.
Su práctica abarca la pintura y la escultura, y utiliza técnicas y materiales como el collage, los textiles y la cerámica.
Ha expuesto su obra en espacios como Marinaro, FLAG Art Foundation, 11 Rivington, Klaus von Nichtssagend Gallery y el International Center of Photography, en Nueva York; Magazzino Italian Art Museum; Palazzo Reale y Galleria Monica De Cardenas, en Milán, entre otros.
Teoldi vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York.
Ana Tiscornia (n. 1951, Uruguay) vive y trabaja en Nueva York. Representó a Uruguay en la segunda y la novena Bienal de La Habana, Cuba, así como en la III Bienal de Lima, Perú.
Entre sus exposiciones se encuentran las realizadas en el Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo, Uruguay (2027); Parque de la Memoria, Buenos Aires, Argentina (2022–2023); Espacio Mínimo, Madrid, España (2021); Omi Architecture, Ghent, Nueva York (2018); Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, Argentina (2018); Museo Figari, Montevideo, Uruguay (2017); Museo de Historia del Arte, Montevideo (2017); Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo (2015); Museo Gurvich, Montevideo (2017); y Columbia University, Nueva York (2013).
Ann Toebbe (n. 1974, Cincinnati) crea interiores representados meticulosamente que transforman los espacios domésticos de la clase media en tapices espaciales: en parte recuerdos, en parte estructuras y en parte símbolos.
Sus composiciones aplanadas y, con frecuencia, desorientadoras abordan temas como la familia, la amistad, la maternidad y el matrimonio, convirtiendo las habitaciones de su vida en escenarios cargados de resonancia psicológica y emocional.
Toebbe ha expuesto ampliamente. Entre sus muestras individuales recientes se encuentran las presentadas en Nicelle Beauchene Gallery, Nueva York, en 2025, y en el Hyde Park Art Center de Chicago, en 2026.
La artista vive y trabaja en el vecindario de Hyde Park, Chicago, desde 2005.
Kay Rosen (n. 1943, Corpus Christi) presentó recientemente su primera gran exposición individual en una institución europea, Kay Rosen. NOW AND THEN, en el Weserburg Museum für Moderne Kunst de Bremen, Alemania (2023–2024).
En 2021, la National Gallery of Art de Washington le encargó una instalación especial concebida para el East Building de la institución. Su pintura de gran formato, titulada SORRY, permaneció expuesta hasta marzo de 2022.
Una revisión de media carrera presentada en dos sedes, titulada Kay Rosen: Li[f]eli[k]e y curada por Connie Butler y Terry R. Myers, se exhibió en el Museum of Contemporary Art de Los Ángeles y en el Otis College of Art and Design en 1998.
Su obra forma parte de las colecciones permanentes del Art Institute of Chicago; The Metropolitan Museum of Art, Nueva York; Art Gallery of New South Wales, Sídney; Collection Lambert, Aviñón; Indianapolis Museum of Art; Israel Museum, Jerusalén; Museum of Contemporary Art Chicago; The Museum of Modern Art, Nueva York; The Progressive Art Collection, Mayfield Village, Ohio; y Whitney Museum of American Art, Nueva York, entre muchas otras.
Marie Watt (n. 1967, Seattle, Washington) pertenece al Clan de la Tortuga de la Nación Séneca. Su obra se inspira en imágenes e ideas del protofeminismo haudenosaunee —iroqués— y en las enseñanzas de los pueblos indígenas.
Su práctica es interdisciplinaria e incorpora grabado, pintura, textiles y escultura. Watt desarrolla proyectos tanto individuales como colaborativos, pero en todos ellos explora los puntos de encuentro entre la historia, la comunidad y la narración.
Obtuvo una maestría en Bellas Artes en pintura y grabado por Yale University. También cuenta con títulos de Willamette University y el Institute of American Indian Arts. En 2016 recibió un doctorado honoris causa de Willamette University.
