LOS ÁNGELES.- Sócrates y Fedro pasean por las afueras de Atenas mientras su diálogo recorre temas como el deseo, la locura divina, los límites y las posibilidades del lenguaje, y las formas que adopta la realidad en la memoria y en otras representaciones.
Entre las ideas planteadas en este texto —escrito por Platón hacia el año 370 a. C. y leído por la artista Carole Vanderlinden casi dos milenios y medio después, mientras realizaba las pinturas al óleo reunidas en Fragmented Thought (Pensamiento fragmentado)— se encuentra la afirmación de que el arte no puede reducirse a los elementos que intervienen en su producción.
Componentes como los materiales, las técnicas y las circunstancias histórico-artísticas no bastan para explicar la singularidad de cada obra. La práctica de Vanderlinden, que abarca y con frecuencia combina pintura, collage y dibujo, se resiste a ser asimilada dentro de un único género o estilo. Aun así, conserva una sensibilidad inmediatamente reconocible.
Las pinturas de esta exposición, realizadas durante los últimos tres años, profundizan en su particular lenguaje visual, caracterizado por la hibridez, la ambigüedad y una apertura formal deliberada.
Aunque su trabajo suele ser figurativo, Vanderlinden no se interesa especialmente por el tema representado. Su territorio es la relación inestable entre forma y contenido.
Su archivo de referencias, en constante evolución, incluye sus propios cuadernos de dibujo, así como la literatura y la historia del arte, especialmente los primeros modernistas. Entre ellos se encuentran Kazimir Malévich, con sus evocadoras geometrías, y Francis Picabia, quien célebremente aconsejó a los artistas cambiar de ideas “como de camisa”.
Estas influencias impregnan su obra sin aparecer directamente en ella. A través de un proceso intuitivo, las referencias se disuelven y reaparecen alternativamente bajo nuevas formas.
Las composiciones de Vanderlinden se construyen en múltiples niveles. En el plano asociativo, incorporan la contaminación entre lenguajes y la intertextualidad; en el material, sus diferentes texturas se forman mediante capas de marcas que con frecuencia permanecen visibles.
Como escribe Ann Hoste, curadora de la exposición individual de Vanderlinden Keep a Promise, presentada en S.M.A.K. Gante, en la primera monografía de la artista, Bad Manners (2026), su arte “surge de una metodología que recoge, elimina, juega y proyecta contenidos divergentes mediante entrelazamientos, rupturas y combinaciones de órdenes de imágenes, signos, historias y energías profundamente heterogéneos”.
Al igual que sucede con sus influencias, las conexiones entre las pinturas y la vida personal de la artista permanecen bajo la superficie y aparecen en destellos una vez que la obra está terminada. En palabras de Vanderlinden, es “como si la pintura estuviera alcanzando mis recuerdos y emociones olvidados”.
Solo después de concluir las piezas de Fragmented Thought, la artista advirtió la presencia recurrente de “flores, casas y rincones de pueblos donde resurgían recuerdos enterrados de la infancia”.
Los entrelazamientos formales y las disonancias no se producen únicamente entre las pinturas, sino también en su interior.
Aunque las tres estructuras situadas en primer plano en Village (2025) comparten un mismo terreno y gruesos contornos negros, sus arquitecturas parecen irreconciliables. Su disposición en un campo púrpura desafía la perspectiva lineal.
Delicadas líneas blancas rodean los edificios y les dan la apariencia de haber sido recortados de otras imágenes y pegados en un mundo nuevo.
Con Faubourg (2023), cuyo título es una palabra francesa que significa “suburbio” o “ciudad falsa”, Vanderlinden propone otra manera de representar un conjunto de estructuras.
Guiado por el título, el espectador podría distinguir una puerta arqueada o quizá la barandilla de una cerca. Sin embargo, Faubourg está compuesta enteramente por geometrías texturizadas y recuerda una composición constructivista atravesada por el art brut.
Vanderlinden llegó a Platón a través de Jacques Derrida y, a su vez, de Bernard Stiegler. Durante ese recorrido persiguió una palabra: pharmakon, término que significa al mismo tiempo veneno y remedio.
A través de esta cadena asociativa encontró una resonancia con su propia práctica en “la idea de que una palabra puede contener dos opuestos”.
La artista señala: “Para mí, la pintura es a la vez un veneno y un remedio”.
En el arte, representaciones diferentes pueden coexistir una junto a la otra. En lugar de anularse mutuamente, las imágenes divergentes de la obra de Vanderlinden generan un campo de significados más libre y enriquecedor.
“La pintura que más me interesa es aquella vinculada con el espíritu y la metafísica. La pintura no es una imitación de la realidad. Se origina en la mente del pintor”.
—Carole Vanderlinden
