LONDRES.- October Gallery presenta My Blue Period, una exposición individual del artista de reconocimiento internacional Romuald Hazoumè, que coincide con la 1-54 Contemporary African Art Fair y Frieze London.
Romuald Hazoumè retoma sus icónicas masques bidons (del francés bidon: garrafa, recipiente, botella), presentando una impactante serie de máscaras realizadas con recipientes de plástico reutilizados y adornadas con una ecléctica variedad de materiales encontrados. Concebidas con ingenio como retratos de figuras que habitan lugares específicos del panorama geopolítico contemporáneo, estas nuevas esculturas están cargadas de los mordaces comentarios de Hazoumè sobre asuntos de preocupación global.
Con una mirada aguda para el detalle, cada máscara parece cobrar vida ante nuestros ojos, animada por su irreverente sentido del humor. Al revitalizar la forma escultórica por la que es más conocido, los avatares irónicos de Hazoumè ofrecen reflexiones oportunas sobre la naturaleza precaria del mundo que todos habitamos. Una vez más, estas poderosas obras, consideradas en conjunto, subrayan la disposición del artista a asumir la responsabilidad de confrontar los abusos evidentes de autoridad y decirle la verdad al poder.
La creación de “máscaras” a partir de recipientes de plástico, la mayoría de ellos de color azul, permite a Hazoumè jugar con asociaciones que remiten a dos ideas distintas, aunque lejanamente relacionadas. La referencia más inmediata es al “periodo azul” del joven Picasso, cuando la mayoría de sus lienzos estuvieron dominados por un tono azul omnipresente mientras se concentraba en temas melancólicos como la juventud, la pobreza, la vejez y la muerte.
Al mismo tiempo, el título de Hazoumè también sugiere “el blues”, esa forma musical singularmente afroamericana, arraigada en tradiciones trasladadas desde África centro-occidental y desarrollada en Estados Unidos a finales del siglo XIX y comienzos del XX. El género del blues extrae su fuerza de las expresiones profundamente sentidas de personas marginadas que, aunque impotentes frente a las condiciones que las rodean, se unen a través de una música afirmativa compartida que, aunque sea temporalmente, ofrece una forma de alivio transformador.
La obra de Hazoumè es ampliamente conocida por abordar asuntos complejos como la esclavitud —histórica y contemporánea—, la migración y las duras realidades que se desarrollan en el África poscolonial. Sin embargo, estas máscaras azules parecen penetrar todavía más profundamente, adoptando tonos más oscuros y ominosos que reflejan las ansiedades alimentadas por las numerosas crisis interconectadas del presente.
Sus títulos, a menudo nombres propios o lugares, ofrecen inquietantes pistas sobre las corrientes de pensamiento que actualmente dan forma al enfoque de Hazoumè. Kongo (2024/25) alude directamente a los interminables conflictos por los recursos naturales que han marcado el pasado, el presente y, probablemente, el futuro de ese inmenso país.
Autlan de Navarro (2024/25) oscila entre visiones contrastantes de un pueblo indígena que alguna vez fue orgulloso y los sobrevivientes de una minoría oprimida que apenas logra subsistir en los márgenes de un paraíso donde en otro tiempo vivió en equilibrio con la biosfera que lo sustentaba.
Cada máscara pone en primer plano otra emergencia o posible foco de conflicto: la situación en Gaza; la coalición israelí-estadounidense en guerra con Irán; la espiral de hostilidades de la “operación militar especial” de Putin en Ucrania; y la posibilidad de que cualquiera de estos conflictos desemboque, en cualquier momento, en una conflagración nuclear.
Siempre provocador, Hazoumè toma prestados con ironía los tonos azules de Picasso para este periodo de su obra, pero muestra pocas señales de abatimiento o desesperación. Por el contrario, parece emanar del interior de cada máscara el rojo ardiente y el blanco incandescente de su indignación concentrada.
Hazoumè ha creado algunos de los conjuntos de obra más emblemáticos del arte africano contemporáneo. Ya sea denunciando la corrupción política endémica en África o abordando la indiferencia global que agrava los desastres medioambientales, sus obras visualmente contundentes dejan poco espacio para que quienes están implicados puedan ocultarse.
Su trabajo ha sido expuesto en importantes galerías y museos internacionales de todo el mundo, entre ellos el Victoria and Albert Museum, Londres, Reino Unido; Centre Pompidou y Fondation Louis Vuitton, París, Francia; e ICP, Nueva York, Estados Unidos. En 2018, Hazoumè participó en el festival internacional de fotografía KYOTOGRAPHIE, en Kioto, Japón.
Sus obras también han formado parte de Ex-Africa, Musée du quai Branly-Jacques Chirac, París, Francia; Expression(s) décoloniale(s) #2, Château des Ducs de Bretagne, Musée d’Histoire de Nantes, Nantes, Francia; y Portable Sculpture, Henry Moore Foundation, Leeds, Reino Unido.
Más recientemente, una exposición individual de sus pinturas, Romuald Hazoumè: The Fâ Series (septiembre de 2023–febrero de 2024), se presentó en el Neuberger Museum of Art at Purchase College, SUNY, Estados Unidos.
En 2024, Romuald Hazoumè fue seleccionado como uno de los cuatro artistas principales encargados de representar a la República de Benín con Àṣẹ, una instalación de gran escala creada con bidones de gasolina, con motivo de la primera participación de la República de Benín en la 60ª edición de La Biennale di Venezia.
Sus fotografías fueron seleccionadas para la exposición colectiva We Are Here: Scenes from the Streets en ICP, Nueva York, Estados Unidos (septiembre de 2024–enero de 2025).
Como parte de Climate Biennale Vienna 2026, Hazoumè recibió un encargo de museum in progress para presentar Alter Eco, un conjunto de diez banderas basadas en el sistema de adivinación Ifá, un cuerpo de sabiduría ancestral de siglos de antigüedad perteneciente a las culturas de lengua yoruba de África Occidental y de la diáspora contemporánea, exhibido en Viena, Austria.
Las obras de Hazoumè forman parte de importantes colecciones públicas y privadas de todo el mundo, entre ellas las colecciones permanentes del British Museum, Londres, Reino Unido; QAGOMA, Brisbane, Australia; National Museum of African Art, Smithsonian Institution, Washington D.C., Estados Unidos; MoMA, Nueva York, Estados Unidos; Pigozzi Collection, Ginebra, Suiza; y Fondation Louis Vuitton, París, Francia.
