LONDRES.- Dentro del canon del arte occidental, el paisaje ocupa un lugar entre los temas más tradicionales. Esta exposición reúne obras que retoman la tradición de la pintura de paisaje y utilizan el mundo natural para construir imágenes que son, al mismo tiempo, reales y reinventadas a través de los lenguajes visuales particulares de cada artista.

Tai Shan Schierenberg, William Crozier y Lucy Jones exploran los límites del color para enriquecer sus pinturas con estallidos y destellos inesperados de pigmento. Sus tonalidades intensas parecen transmitir una respuesta emocional más que una representación fiel del motivo.

En Road to Alice Springs (2012), de Tom Phillips, el collage de apariencia preciosista evoca el clima de la región, como si el calor reverberara hacia el espectador. Los fragmentos de color se organizan para crear una especie de espejismo abstracto.

En Still Night (2022), Ken Currie presenta un mar oscuro, inmóvil y amenazante, como si estuviera filtrado por la luz azul del amanecer o del anochecer. En contraste, a lo lejos brilla una intensa luz roja cuya función queda deliberadamente sin explicación.

En las comunidades marítimas, la luz ha sido utilizada como medio de comunicación en regiones remotas del mundo. Aquí, sin embargo, su significado permanece incierto: podría tratarse de una bengala de advertencia o de una amenaza.

Muchas de las obras poseen una atmósfera onírica. Artistas como Gill Rocca y Friedemann Hahn construyen entornos que resultan familiares para nuestro archivo visual, aunque han sido creados por completo desde la imaginación.

Los bosques de aspecto arcádico que Rocca representa con exquisito detalle en sus pinturas de la serie Figment resplandecen con una cualidad serena y sobrenatural.

En Kopf mit Blumen (1992), Hahn imagina un campo abstracto de lirios y fusiona su propia práctica con la del pintor impresionista Vincent van Gogh, al camuflar entre las flores el retrato sugerido del artista fallecido.

Anna Maria Schönrock explora en su práctica el impacto del tacto y se concentra en la manera en que este se fusiona con el recuerdo de un lugar.

En Landscape (2014), sus pinceladas, marcadas con fuerza sobre un fondo pálido y decolorado, evocan la sensación de los mechones de hierba rozando el cuerpo al caminar.

Como artista con discapacidad visual parcial, Bianca Raffaella crea pinturas etéreas que introducen al espectador en su mundo al captar momentos fugaces suspendidos en una “visión persistente”. Su vista se encuentra en constante movimiento, y las imágenes aparecen apenas durante unos instantes como sombras tenues o destellos de luz.

Sus obras reflejan el peso emocional de recorrer el mundo mediante el tacto y el sonido. En Fleeting Visions in a Downpour (2025), sus pinturas transmiten una profunda sensación de soledad vulnerable vinculada a esta perspectiva, junto con momentos transitorios, alegres y lúdicos de celebración y consuelo.

En contraste, otros artistas centran su atención en el efecto de lugares concretos.

Fusina’s Field IV (1998), de David Hepher, se inspira en el tiempo que el artista pasó en el suroeste de Francia y busca captar la esencia de ese territorio. Hepher mezcló tierra de los campos franceses con la pintura, creando una experiencia marcadamente textural.

En la obra se percibe una conciencia aguda del paso del tiempo y de la resistencia de la región, visible en los campos erosionados, las colinas y los árboles.

Este componente nostálgico también aparece en June Storm in Wales (2022), de David Dawson. La pintura posee un carácter profundamente autobiográfico y remite a los años formativos de la infancia del artista en el paisaje rural de Gales.

Artistas: William Crozier, Ken Currie, David Dawson, Friedemann Hahn, David Hepher, Lucy Jones, Gerhard Neumaier, Tom Phillips, Bianca Raffaella, Gill Rocca, Tai Shan Schierenberg y Anna Maria Schönrock.