PARÍS.- Thaddaeus Ropac Paris Marais presenta Winter Sun (Sol de invierno), una exposición de nuevas pinturas de la artista estadounidense Jordan Casteel que marca su primera muestra en Francia, así como la presentación más importante de su obra en Europa hasta la fecha.
Realizadas durante la primera mitad de 2026, las pinturas se caracterizan por una paleta de tonos fríos y terrosos, inspirada en la luz de los días más profundos del invierno. Winter Sun reflexiona sobre un periodo de letargo y renovación, esperanza y duelo, amor y pérdida, luz y oscuridad. Los retratos figurativos, paisajes y obras de temática botánica profundizan en la constante exploración de Casteel sobre los vínculos humanos, el sentido de pertenencia y las transiciones.
La práctica artística de Casteel se fundamenta en la monumentalización de lo colectivo, ofreciendo encuentros íntimos y dignos que reflejan su profundo compromiso con la comunidad. Sus protagonistas, que siempre representan un reflejo directo de su entorno, suelen ser personas racializadas, cuya presencia le permite cartografiar y rendir homenaje al paisaje social de su entorno inmediato, así como a su historia artística.
Los retratos que integran la exposición presentan una amplia variedad de personas, desde familiares y amigos cercanos de Casteel hasta desconocidos con quienes se ha encontrado en los espacios que frecuenta.
En before your time (2026), perteneciente a su reconocida serie Subway Series (2015-presente), las dinámicas del cuidado se manifiestan en una familia cuyos integrantes aparecen entrelazados dentro de la fría geometría de un vagón de metro.
La familia forma una sola unidad bajo un contundente aviso de seguridad del transporte subterráneo que dice "Don't die before your time" (No mueras antes de tiempo), vinculando la obra con las ideas fundamentales de mortalidad y supervivencia que atraviesan los bodegones presentes en la exposición.
La artista da voz a pequeñas escenas de humanidad, cercanía, protección parental, el paso del tiempo y la sagrada brevedad de la infancia, tal como se desarrollan dentro del espacio público.
En lugar de recurrir a la formalidad y a las relaciones de poder implícitas en las sesiones tradicionales de posado en el estudio, Casteel trabaja a partir de fotografías de sus protagonistas.
"Me encuentro con las personas donde están, en lugar de pedirles que entren en mi espacio", explica.
Las figuras de Alice Neel, representadas en actitudes relajadas, constituyen una referencia fundamental para la concepción del retrato de Casteel, al igual que el enfoque expresionista del color del pintor Beauford Delaney, vinculado al Renacimiento de Harlem.
Casteel señala a Delaney como una influencia decisiva en su propio uso del color en las obras expuestas, cada una de las cuales se caracteriza por el predominio de un único tono intenso y, al mismo tiempo, suntuoso, que se convierte en un vehículo para transmitir emociones.
"El gesto de cubrir el lienzo con un color establece el escenario para el resto de la pintura", afirma Casteel. "Se convierte en un aura, en la esencia de la obra".
Este enfoque cromático sitúa la presencia emocional por encima del realismo estricto y, al mismo tiempo, eleva las obras más allá de lo cotidiano, acercándolas sutilmente al lenguaje de la abstracción.
Las pinturas de Casteel siempre han interpretado el mundo exterior a través de su propia experiencia personal y han demostrado un interés constante por el cuidado materno.
Sin embargo, en los últimos años su trabajo ha adquirido un carácter claramente autobiográfico, ampliándose para incorporar su entorno doméstico más inmediato sin perder su profundo vínculo con la comunidad.
En este conjunto de obras, la artista regresa a esos motivos fundamentales después del nacimiento de su hijo, un momento de transición que señala mediante el evocador título de la exposición, en el que la palabra inglesa "sun" (sol) remite también a su homófona "son" (hijo).
En Weighted (For Clyde) (2026), Casteel dirige la mirada hacia sí misma y se representa cargando a su recién nacido contra el pecho. El pequeño cuerpo del bebé aparece delicadamente enmarcado por sus patucos y las manos protectoras de la artista.
Tanto el rostro de Casteel como el de su hijo quedan fuera del encuadre, permitiendo que el fondo de césped, la tela del portabebés y la camisa de la artista, representados mediante texturas y parcialmente sin terminar, funcionen como campos de color.
De esta manera, la imagen se aleja de la descripción literal y sitúa en primer plano la intimidad y la particularidad del contacto físico.
La pintura, la maternidad y la jardinería son actos de creación profundamente entrelazados. A través de estos procesos paralelos de cuidado cotidiano y trabajo manual, Casteel establece un puente conceptual entre sus retratos y sus pinturas de flores.
"Para mí, todo tiene que ver con cultivar", explica. "Se trata de comenzar desde la base, ya sea el espacio en blanco del lienzo o un terreno vacío".
Desde que estableció su hogar en el valle del Hudson en 2021, Casteel ha incorporado cada vez más su entorno rural a sus pinturas.
Varias de las obras florales presentes en la exposición tienen su origen en su propio jardín, donde suele trabajar en plein air, con el lienzo apoyado sobre el regazo.
Tratados con la misma dignidad que los protagonistas de sus retratos, los ramos y las flores se representan con una atención minuciosa a los detalles y, con frecuencia, mediante encuadres muy cerrados que les otorgan una presencia casi humana.
Para la artista, el jardín es un espacio donde asimilar y procesar ideas sobre la decadencia y la renovación en el mundo que la rodea.
Las delicadas cabezas de las flores parecen avanzar tenazmente hacia la superficie de los lienzos, en medio de una paleta más fría que sugiere el cambio de las estaciones y la proximidad de un clima más riguroso. Así, se transforman en símbolos de una esperanza que perdura incluso frente a la adversidad.
En contraste con estos estudios íntimos, otras obras de mayor formato exploran la extensa tradición del bodegón en la historia del arte, al tiempo que reflexionan sobre la memoria, la familia y los rituales mediante los cuales honramos a quienes hemos perdido.
Los tallos cortados componen un memento mori sobre la encimera de una cocina doméstica, evocando el carácter transitorio de todos los seres vivos.
Por su parte, Memorial (For John) (2026) representa el regreso a un tema que Casteel abordó por primera vez en 2017, en una obra también titulada Memorial, que representa un homenaje floral que encontró abandonado en una calle de Harlem.
El retorno a este motivo subraya la continuidad de la práctica artística de Casteel, que ha evolucionado a través de los distintos barrios y comunidades que ha considerado su hogar a lo largo de los años.
La artista difumina las distinciones entre paisaje y retrato, así como entre los diversos entornos urbanos y rurales que aparecen en sus obras más recientes, para crear modernas vanitas que dan forma al tiempo, la ausencia y el recuerdo.
Casteel concede la misma consideración a todos sus protagonistas, otorgando a cada uno un peso equivalente dentro del paisaje de la vida que se despliega ante nosotros.
En última instancia, estas obras recuerdan que, en medio del flujo constante del amor y la pérdida, del crecimiento y el duelo, el acto de observar y cuidar los entornos en los que vivimos sigue siendo uno de los gestos más profundos de todos.
La exposición estará acompañada por un catálogo que incluirá un ensayo de Amandine Nana, escritora, poeta, historiadora del arte y comisaria del Palais de Tokyo de París.
Esta publicación sucede a la primera monografía de Casteel, editada por Phaidon en 2025, que reúne cerca de 150 imágenes de su obra.
Jordan Casteel vive y trabaja en Nueva York. En 2014 obtuvo una maestría en Pintura y Grabado por la Escuela de Arte de la Universidad de Yale.
Entre 2016 y 2021 fue profesora asociada de pintura en la Universidad Rutgers-Newark. La serie de retratos que realizó de sus estudiantes durante ese periodo se presentó en la primera sala de su reconocida exposición individual Within Reach, celebrada en el New Museum de Nueva York en 2020.
En 2024, la Hill Art Foundation de Nueva York le dedicó una exposición individual que recorrió una década de su trayectoria artística.
También ha presentado exposiciones individuales en instituciones como el Denver Art Museum (2019) y el Iris & B. Gerald Cantor Center for Visual Arts de la Universidad de Stanford (2019-2020).
En 2019, High Line Art de Nueva York le encargó un mural de aproximadamente 130 metros cuadrados basado en su pintura The Baayfalls.
Casteel recibió una beca de la Fundación MacArthur en 2021 y el Premio John Koch de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras en 2024.
Desde 2023 forma parte del Consejo de Administración del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.
Recientemente, su obra se incluyó en la exposición The Time is Always Now: Artists Reframe the Black Figure, presentada en la National Portrait Gallery de Londres en 2024, que posteriormente viajó a The Box, en Plymouth; el Museo de Arte de Filadelfia; y el Museo de Arte de Carolina del Norte, en Raleigh.
La artista también ha participado en exposiciones colectivas en el Tang Teaching Museum & Art Gallery de Saratoga Springs (2025, posteriormente presentada en el Montclair Art Museum en 2026); el Museo de Arte Moderno de Varsovia (2025); el Virginia Museum of Fine Arts de Richmond (2025); el Brooklyn Museum de Nueva York (2024); el Baltimore Museum of Art (2023); el Saint Louis Art Museum (2023); el New Orleans Museum of Art (2023); la Schirn Kunsthalle Frankfurt (2023); el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (2021-2023); el Museo de Arte Moderno de Nueva York (2022); el Modern Art Museum of Fort Worth (2022); el Institute of Contemporary Art de Boston (2022); el Pérez Art Museum de Miami (2022); el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (2021); el Museo de Arte Moderno de San Francisco (2020); el Instituto de Arte de Chicago (2021); y el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (2018).
