NUEVA YORK.- Nino Mier Gallery presenta "To New York and Back Again", la segunda exposici贸n individual de Albert Irvin en la galer铆a, que podr谩 visitarse en su sede de 62 Crosby Street del 29 de octubre al 16 de diciembre de 2026. La muestra recoge un momento decisivo en el desarrollo del lenguaje visual de madurez del artista. Realizadas mucho despu茅s de su transici贸n de la figuraci贸n a la abstracci贸n, las obras abarcan tanto su visita a Estados Unidos como el cambio del 贸leo al acr铆lico que se producir铆a a帽os m谩s tarde.
En 1968, gracias al apoyo de una beca de viaje del Arts Council, Albert Irvin realiz贸 una prolongada visita a Estados Unidos, donde conoci贸 a artistas como Jack Tworkov y Robert Rauschenberg. Aquel viaje lo puso en contacto directo con un movimiento que ya hab铆a ejercido una profunda influencia en su desarrollo art铆stico: el expresionismo abstracto estadounidense.
Durante la d茅cada anterior, este movimiento hab铆a comenzado a "llamar a la puerta" de los artistas brit谩nicos. Su primera aparici贸n significativa se produjo en una sala de la exposici贸n "Modern Art in the United States", organizada por la Tate en 1956, y posteriormente tuvo una presencia mucho m谩s amplia en "The New American Painting", presentada en 1959.
Fue este 煤ltimo encuentro el que finalmente convenci贸 a Irvin de abandonar la figuraci贸n.
Lo que encontr贸 en los pintores estadounidenses no fue un estilo o una sensibilidad que quisiera imitar —sus propuestas eran demasiado diversas como para copiarlas—, sino una nueva concepci贸n de lo que la pintura pod铆a lograr.
La confianza y la autoridad art铆stica de figuras como Jackson Pollock, Mark Rothko y Willem de Kooning le hicieron comprender las posibilidades de un lenguaje no figurativo construido a partir de formas, colores y trazos.
Irvin busc贸 desarrollar ese lenguaje de manera personal, dejando atr谩s el vocabulario literal de su anterior pr谩ctica figurativa, en la que representaba elementos humanos como "orejas y codos", sin abandonar su tema fundamental: la condici贸n humana.
"To New York and Back Again" re煤ne una selecci贸n de obras en las que el encuentro de Irvin con la abstracci贸n estadounidense abri贸 nuevas posibilidades para su proyecto art铆stico de transmitir la experiencia humana a trav茅s del lienzo.
Seg煤n sus propias palabras, el tema central de su trabajo era "la experiencia de estar en el mundo". Todas sus pinturas se organizan en torno a esta idea.
En cierto sentido, esto significa que sus obras est谩n influidas por sus recorridos a trav茅s del mundo f铆sico. Irvin se inspir贸 en la concepci贸n expresionista abstracta de que recorrer la superficie de un lienzo con un pincel cargado de pintura pod铆a funcionar como met谩fora de un desplazamiento por el paisaje urbano.
En sus pinturas, cada trazo registraba tanto su movimiento f铆sico sobre la superficie del lienzo como la esencia de un recorrido por el mundo que habitaba.
Los t铆tulos de sus obras reflejan esta relaci贸n. Algunos de sus primeros trabajos hacen referencia descriptiva a una sensaci贸n abstracta de movimiento, como "Wanderer" (1968) y "Strike" (1968), mientras que otros aluden a nombres de calles cercanas a su estudio en Stepney Green, como "Rampart" (1976) y "Cephas" (1976).
Desde otra perspectiva, el tema de Irvin expresa la experiencia interior de estar en el mundo: las fuerzas emocionales que moldean nuestras impresiones y percepciones, y que dan forma al drama 铆ntimo de nuestras vidas.
Su m茅todo es, por tanto, metaf贸rico y expresivo a la vez. Sus gestos pict贸ricos poseen un car谩cter evocador y est谩n cargados de intensidad emocional.
Como 茅l mismo explic贸: "La superficie pintada, la zona activa, es el contenido humano, una analog铆a de mi existencia en el mundo, de mi movimiento a trav茅s de 茅l, de vivir y amar".
En pinturas tempranas como "Wanderer" y "Strike", la exploraci贸n de Irvin de las posibilidades emocionales de la abstracci贸n se manifiesta en la interacci贸n entre colores y formas complementarias.
Estas obras fueron realizadas durante un breve periodo de la segunda mitad de la d茅cada de 1960, cuando el artista estaba profundamente interesado en las posibilidades expresivas de la pintura negra.
En ellas, grandes superficies negras aparecen atravesadas por zonas m谩s peque帽as de colores saturados.
El resultado es un equilibrio construido a partir de la asimetr铆a y el contraste: una distribuci贸n desigual de los elementos sobre el lienzo que organiza la tensi贸n emocional de las composiciones.
Cuando Irvin finalmente adopt贸 la pintura acr铆lica en 1972, encontr贸 nuevas estrategias para desarrollar e intensificar este dramatismo visual.
La posibilidad de diluir el acr铆lico y aplicarlo en capas le permiti贸 experimentar en茅rgicamente con diferentes grados de densidad y opacidad.
Pinturas como "Rampart" y "Cephas", ambas de 1976, presentan grandes bloques fluidos de color que concentran una mara帽a dionis铆aca de gestos superpuestos.
El r谩pido secado del acr铆lico, combinado con la costumbre de Irvin de colocar grandes lienzos sobre latas, tambi茅n le permiti贸 trabajar con mayor inmediatez.
Asimismo, este material le ofreci贸 la posibilidad de experimentar con nuevas herramientas para intervenir directamente sobre la superficie.
Tanto en "Rampart" como en "Cephas", Irvin utiliz贸 rasquetas y fragmentos de cart贸n corrugado para arrastrar y extender la pintura sobre el lienzo, como si empleara una gigantesca esp谩tula.
En todas estas obras se percibe la presencia inmediata de la actividad del artista.
Para Irvin, el trazo era, en 煤ltima instancia, una manifestaci贸n de su presencia humana: la huella de una pincelada, un gesto, una decisi贸n y de todos los elementos fortuitos que acompa帽an esos movimientos.
Sus pinturas conservan esa cualidad aleatoria, una sensaci贸n de juego mediante la cual el acto de pintar se convierte en un registro de su propia presencia en el mundo.
Detr谩s de cada trazo existe una enorme energ铆a, un impulso vitalista que une las piezas reunidas en la exposici贸n.
Jackson Pollock describi贸 c茅lebremente la pintura como "energ铆a hecha visible". La ambici贸n de Irvin consist铆a en impregnar sus cuadros con toda la energ铆a que pudiera transmitirles, encontrando en el color, el gesto, la forma y la estructura una manera de expresar lo que denominaba "una fuerza vital inextinguible".
"To New York and Back Again" captura esa fuerza vital en un momento decisivo de la evoluci贸n art铆stica de Irvin, cuando un lenguaje abstracto plenamente desarrollado y un nuevo vocabulario material convergieron en pinturas de extraordinaria vitalidad f铆sica y emocional.
Albert Irvin (1922-2015) vivi贸 y trabaj贸 en Londres, Reino Unido. Estudi贸 en la Northampton School of Art y posteriormente en Goldsmiths College, en Londres, donde tambi茅n ejerci贸 como profesor entre 1962 y 1983.
A lo largo de su trayectoria realiz贸 exposiciones individuales en espacios como 57 Gallery y Gimpel Fils, ambos en Londres, y fue objeto de una importante retrospectiva en la Serpentine Gallery de la misma ciudad.
Su obra tambi茅n form贸 parte de exposiciones colectivas nacionales e internacionales y se encuentra en colecciones como las de la Tate, la Royal Collection, el British Council, la Royal Academy y el Victoria and Albert Museum.
Recibi贸 numerosos reconocimientos, entre ellos una beca de viaje del Arts Council en 1968 y un importante premio de la misma instituci贸n. En 1998 fue elegido miembro de la Royal Academy.
En 2013 fue nombrado Oficial de la Orden del Imperio Brit谩nico por sus contribuciones al arte brit谩nico.
